I Black Label Society annunciano Doom Crew Inc., l’undicesimo album in studio in uscita il 26 novembre su Spinefarm.
L’album
sarà disponibile in versione digitale, CD e doppio vinile in tre
varianti di colore in edizione limitata: bianco, argento e grigio/marmo.
Inoltre, Spinefarm ha ideato un’esclusiva box (solo
500 disponibili in tutto il mondo!) che include: vinile, cassetta, CD,
maglia, spilla, patch e foto card ufficiale.
L’album,
che contiene 12 tracce, è insieme un tributo alla crew della band, i
cui membri vengono definiti come “i primi a sanguinare, gli ultimi ad
andarsene”, e a tutti i fan hardcore che, nel 1998, si contrapponevano
al KISS Army. I brani, che sono stati registrati al Black Vatican,
studio in casa di Zakk, sono allo stesso tempo inni ai festeggiamenti ma
anche al lutto, colonne sonore perfette per serate esaltanti quanto per
i momenti di disorientamento. In questo nuovo lavoro Zakk condivide gli
assoli con Dario Lorina, sempre accompagnato poi dal bassista John
“J.D.” DeServio e dal batterista Jeff Fabb.
Era
sexy, terribilmente sexy. Jackie Wilson saliva sul palco e le donne
perdevano letteralmente la testa per lui. E’ per questo che veniva
chiamato Mr.Excitement: le sue movenze feline e i suoi ammiccamenti
sensuali procuravano fra il folto pubblico femminile uno stato di
eccitazione febbrile. Jackie aveva imparato a muoversi sul ring, quando,
fin dall’età di sedici anni, iniziò a incrociare i guantoni e a
schivare i pugni degli avversari. Plastico, reattivo, rapidissimo,
Wilson fece di quell’esperienza pugilistica la palestra per i suoi
successi canori, un allenamento per il grande palco del rhythm &
blues, che lo portò a essere in pochi anni (prima con i The Dominoes e
poi da solo) una stella di prima grandezza e un esempio artistico per le
generazioni future (al suo modo di ballare si ispirò un giovane Michael
Jackson).
Nonostante
il successo e gli agi economici, Mr.Excitement non fu mai un uomo
accomodante: il carattere fumantino e una predisposizione naturale a
cacciarsi nei guai, lo portarono spesso ad avere problemi con la
giustizia. Storie di droga, di alcol e depressione, ma soprattutto
reati. Il vizietto dell’evasione fiscale, un poliziotto malmenato
durante un concerto, e una sparatoria, il 15 febbraio del 1961, di cui
l’unica cosa certa è che Wilson si beccò una pallottola nello stomaco,
sono le macchie più consistenti di un’esistenza vissuta sempre sopra le
righe.
Quando
la sera del 25 settembre del 1975, Jackie sale sul palco del Latin
Casino di Cherry Hill per un concerto di beneficenza, la sua parabola
artistica è già da tempo in declino. L’ultima canzone portata al primo
posto della US R&B Chart è Higher And Higher e risale al 1967.
Eppure, nonostante Mr. Exicetment non sia più quello di un tempo, la
gente lo ama ancora e non vede l’ora di sentirlo cantare.
Wilson attacca uno dei suoi cavalli di battaglia, Lonely Teardrops,
una hit del 1958 (arrivò alla settima piazza di Billboard 100), che
parla di una relazione finita e della sofferenza di un uomo che piange
disperatamente l’assenza della propria amata (You know my heart does
nothing but burn, crying, Lonely teardrops, My pillow's never dry of
lonely teardrops, Come home, come home, Just say you will, say you will).
Jackie,
però, non sembra lucido, ha il volto contratto in una smorfia ed è
madido di sudore. Mentre sta pronunciando il verso iniziale “My heart is crying”
viene colpito da infarto, cade a terra e batte violentemente la testa.
Ricoverato d’urgenza in ospedale, entra in coma. Ci vogliono quattro
mesi perché i medici riescano a fargli riprendere conoscenza. Ma ormai è
tardi: Jackie è in stato vegetativo, ha perso la vista, l’udito e la
facoltà della parola. Quei colpi che era sempre riuscito a schivare con
l’eleganza sensuale di un felino, sono tornati sotto le sembianze di un
destino beffardo e alla fine lo hanno messo ko. Morirà nove anni più
tardi, il 21 gennaio 1984, per complicazioni polmonari.
Durand
Jones e i suoi Indications continuano a percorre a ritroso la strada
della black music, oscillando fra anni ’60 e anni ’70, e ripristinando
con passione e serio approccio filologico suoni antichi che, nelle loro
sapienti mani, mantengono ancora oggi un’incredibile forza propulsiva.
Così, se inserisci Private Space nel lettore cd e schiacci play, la prima cosa che ti passa per la mente è: “Accidenti, questo disco degli Earth, Wind And Fire non lo conoscevo!”.
E non potrebbe essere diversamente, visto che il terzo album della band
originaria di Bloomington pulsa esattamente come i classici EWF targati
anni '70.
Queste
dieci tracce non si allontanano molto, almeno dal punto di vista
concettuale (tirare a lucido la storia della black music), dal
precedente stile retro-soul della band, anche se gli elementi degli anni
'60 che avevano alimentato i primi due dischi, vengono qui sostituiti
dalla lucentezza del suono disco che andava di moda dalla metà alla fine
degli anni '70. Elementi di The Gap Band, The Brothers Johnson, Hot
Chocolate e Isley Brothers si mescolano con il dance-pop dei Bee Gees,
creando un set fatto per essere inserito nella playlist di una qualche
discoteca retrò.
Un approccio vintage che puoi ritrovare anche nei seducenti titoli delle canzoni, Sexy Thang, The Way That I Do e More Than Ever,
che richiamano alla memoria la sensualità di quel periodo storico che
Jones e la band vogliono replicare. Tuttavia, a voler dare anche
un’occhiata veloce alle liriche delle canzoni, gli argomenti trattati
sono talvolta ben radicati nel presente, con richiami ai giorni
difficili della pandemia e del lockdown (Love Will Work It Out) e a una rinata speranza (I Can See).
Trattasi,
però, solo di episodi, dal momento che la maggior parte delle liriche
parla di questioni di cuore, perfetti clichè per un disco il cui
intento, alla fine, è solo quello di divertire. E in tal senso la band
centra il bersaglio: il funk/disco di canzoni come Sea Of Love è irresistibile, gli echi di Giorgio Moroder in Witchoo fanno perdere la testa, il ballatone Ride Or Die, punteggiato di chitarra wah-wah e voci in falsetto riesce addirittura a evocare il fantasma di Marvin Gaye, mentre Reach Out potrebbe facilmente essere scambiata per una gemma proveniente dal repertorio di Hall & Oates.
Private Space
non è certo un disco dalle grandi rivelazioni, si limita a far rivivere
il passato, evitando però operazioni di copia incolla, ma lucidando,
semmai, con entusiasmo e qualche piccolo tocco di modernità, quegli
straordinari groove che riempivano le piste da ballo quarant’anni fa.
Durand Jones e il fidato batterista/polistrumentista/co-vocalist Aaron
Frazer in tal senso sono maestri, e mettere nel lettore questo cd è un
po' come rivivere la stessa magia. Niente che cambi la storia di questo
2021, ma solo la certezza che, sparato a tutto volume a una festa, Private Space sarà in grado di riportare, con naturalezza, tutti in pista a ballare fino all’alba.
All'inizio degli anni '70, camminare per una strada di
Derry (Londonderry secondo gli Unionisti) era un pò come aggirarsi in una
polveriera con una candela in mano. I cattolici dell'IRA
(indipendentisti) e i protestanti dell'UDA e dell'UVF (lealisti) si
ammazzavano fra di loro, senza farsi troppi scrupoli per la popolazione civile
(le bombe nei luoghi pubblici erano all'ordine del giorno). L'esercito inglese
pattugliava la città coi carrarmati, e gli infiniti posti di blocco erano
spesso scenario di attentati e sparatorie. La situazione era ulteriormente
aggravata dallo strapotere della polizia nordirlandese (la Royal Ulster
Constabulary), ricettacolo di violenti al servizio della monarchia inglese e
paragonabili per le efferatezze compiute alle squadracce della morte di
sudamericana memoria (come in Argentina o in Cile, la storia irlandese di
quegli anni è funestata dalla tragedia dei desaparesidos).
Quando il governo unionista varò l’Internment,
ovvero la possibilità per le forze dell'ordine di imprigionare un cittadino a
tempo indefinito e senza processo, la situazione già incandescente divenne
esplosiva.
Il 30 gennaio del 1972, la NICRA (Northern Ireland
Civic Rights Assosiacion) organizzò a Derry una manifestazione pacifica per
protestare contro le misure restrittive appena varate. Migliaia di persone, fra
le quali molte donne e molti giovani, iniziarono a sfilare per le vie della
città controllati dai paracadutisti britannici. Quale sia stato il motivo che
accese la miccia dei disordini non è dato sapere. Quel che è certo è che i
militari inglesi fecero improvvisamente fuoco sulla folla, colpendo 26
persone, di cui 14 a morte. Il colonnello Wilford, a capo delle truppe di Sua
Maestà, si è sempre difeso sostenendo di aver risposto al fuoco dei
manifestanti (in seguito, peraltro, smentito dai alcuni suoi soldati), ma i
molti giornalisti testimoni dell'eccidio affermarono che i manifestanti erano
pacifici e disarmati e che all'echeggiare dei primi spari si diedero
immediatamente alla fuga (versione dimostrata dal fatto che molti degli uccisi
furono colpiti alle spalle).
La commissione di inchiesta governativa incaricata di
far luce sulla strage, accolse la tesi difensiva dei militari e non emise
condanne. Solo nel 2010, il premier britannico Cameron, fece ammenda per
l'accaduto, condannando l'operato dell'esercito e chiedendo ufficialmente scusa
ai parenti delle vittime.
I terribili fatti di sangue di quella domenica di
gennaio vennero raccontati in un bel film di Paul Greengrass (Bloody
Sunday, Orso d'Oro a Berlino nel 2002) e ispirarono una delle più belle e
famose canzoni degli U2, Sunday Bloody Sunday, presente nell'album War del
1983).
L'idea per la musica e lo spunto per il testo vennero
al chitarrista The Edge, che lavorò alla canzone in solitaria, mentre Bono si
trovava in luna di miele. Quando il cantante rientrò dal viaggio, gli venne
affidata la stesura del testo, al quale però, nonostante gli sforzi, non
riusciva a dare lo sviluppo desiderato. Bono ricorda che riuscì a superare il
blocco creativo solo grazie al continuo pungolo della moglie che, per
settimane, ogni mattina, lo spronava dicendogli: "Vai a finire Sunday
Bloody Sunday!".
La canzone ebbe enorme riscontro mediatico e
fu il brano che consacrò gli U2 al definitivo successo planetario.
Tuttavia, non mancarono numerose critiche da parte di chi interpretò la
canzone attribuendole forti connotati di militanza politica in senso
indipendentista. Fu così che Bono, come testimoniato anche nel live Under A
Blood Red Sky, per lungo tempo, fu costretto a introdurre dal vivo la
canzone con le parole " This is not a rebel song ".
Sunday Bloody Sunday racconta quei tragici eventi, è un gancio di memoria
per il sangue versato, un omaggio alle vittime e al dolore di chi, quel giorno,
perse i propri congiunti: “Tonight, Broken bottles under children's feet,
Bodies strewn across the dead-end street”. E Ancora: “And the battle's
just begun, There's many lost, but tell me who has won? The trenches dug within
our hearts, And mothers, children, brothers, sisters torn apart”.
In questi versi è racchiusa l’insensatezza di un odio
che non guarda in faccia a nessuno, che miete vittime innocenti in una guerra
civile che non ha alcuna ragione d’essere. C’è l’empatia di Bono verso il
proprio popolo e la sofferenza per le troppe morti, ma non certo una posizione
politica radicale. Sunday Bloody Sunday è, soprattutto, una canzone di
pace e di speranza, che cita la vittoria d’amore di Gesù (“The real battle
just begun, To claim the victory Jesus won”), invita a non girare la testa
dall’altra parte e a tener desto lo sguardo sul problema (I can't believe
the news today, Oh, I can't close my eyes and make it go away) e a
perseguire un sogno di fratellanza (‘Cause tonight We can be as one).
Una canzone indissolubilmente legata a quel 30 gennaio 1972 divenuta, nel
tempo, messaggio universale contro tutte le guerre.
Sono stati fatti molti
studi e versati fiumi d’inchiostro per ricostruire filologicamente la provenienza
di Black Is The Color Of My True Love’s Hair,
un traditional folk, le cui origini sembrerebbero risalire alla terra di
Scozia, citata espressamente nel testo originale della canzone (il fiume
Clyde). Una canzone, però, che, come succede a molti brani folk dalle origini
antiche, ha mutato abiti nel corso del tempo, sia da un punto di vista musicale
che testuale. Il brano, che viene già citato dagli studiosi a fine ‘800, fu,
infatti, erroneamente fatto rientrare nella tradizione musicale dei monti
Appalachi, in quanto John Jacob Niles (1892-1980), compositore, cantante,
musicista e ricercatore folklorico del Kentucky, se ne attribuì la paternità,
avendone modificato la melodia, che è poi quella che tutti oggi conosciamo.
Black
Is The Color Of My True Love’s Hair, nella sua versione originale,
recita una sorta di lettera scritta da una ragazza, disperata per aver appreso della morte
in guerra del suo innamorato. Un brano tristissimo, il lamento di una donna per
un amore che poteva essere eterno e che invece la malasorte ha distrutto,
infrangendo i sogni di una giovane coppia. Un testo intenso e appassionato, che
descrive con inusuale delicatezza la profondità del legame d’amore: “Nero è il colore dei capelli del mio vero
amore, il volto come una bella rosa, il viso più dolce e le mani più gentili, amo
il terreno su cui si posa. Amo il mio amore e lui lo sa bene, amo il terreno
sul quale cammina…”. La morte, però, ha cancellato la speranza di un futuro
insieme, possibile solo nell’aldilà, e ha trasformato la grazia del sentimento
in uno struggente stato d’invasiva nostalgia: “L’inverno è trascorso e le foglie sono verdi, sono finiti i tempi che
abbiamo conosciuto, e tuttavia spero che verrà il giorno, quanto tu ed io
saremo una cosa sola. Andrò al Clyde a piangere e singhiozzare, perchè non
potrò mai più essere contenta, ti scriverò delle brevi righe, e patirò la morte
diecimila volte”. Liriche al contempo dolenti e dolcissime, in cui il
colore nero dei capelli dell’amato diviene anche il vuoto cromatico che
accompagna un lutto impossibile da rielaborare.
La canzone fu
reinterpretata nel corso degli anni da moltissimi artisti quali Joan Baez,
Christy Moore, Luciano Berio, che mise anche mano agli arrangiamenti, e più di
recente dai Coors, da Celine Dion e da Paul Weller. La versione più nota, però,
è senza dubbio quella di Nina Simone, che la pubblicò per la prima volta nel
suo live Nina Simone At Town Hall del
1959. La reinterpretazione della cantante e pianista originaria della Carolina
del Nord, però, ha un testo modificato e più corto, che ben presto divenne un
inno del movimento per i diritti civili. “Nero
è il colore dei capelli del mio vero amore, il viso dolce e meraviglioso, gli
occhi più puri e le mani più forti, amo la terra che calpesta, amo la terra che
calpesta”, canta la Simone. Se è vero, però, che gli struggenti riferimenti
sentimentali restano immutati, è altrettanto vero che il colore nero assume,
qui, tutt’altra valenza: è, infatti, l’orgogliosa affermazione identitaria di
un popolo in lotta, allora come oggi, per i propri diritti.
