JUST THE WAY YOU ARE - BILLY JOEL (Columbia, 1977)

 

“Phil, davvero, non ne sono convinto. Questa canzone mi sembra troppo debole, la voglio lasciare fuori dal disco”

“Ma che dici? Non hai sentito anche Linda e Phoebe? A loro piace tantissimo, la canzone funziona, è ottima. E poi, Billy, diciamocelo francamente: di materiale ce n’è poco e non possiamo permetterci di scartare nulla.”

Il dialogo qui sopra è immaginario, frutto della fantasia di scrive, ma riassume in modo plausibile lo scambio di idee tra Billy Joel e Phil Ramone a proposito di Just The Way You Are. A Joel la canzone non piaceva, la trovava zuccherina e troppo simile a I’m Not In Love dei 10 CC. E questo, nonostante Linda Ronstadt e Phoebe Snow, che registravano nello stesso studio, si fossero profuse in elogi, insistendo con Billy perché la inserisse nel suo nuovo disco, The Stranger. Phil Ramone, produttore dell’album, era invece di avviso opposto, anche perché le canzoni a disposizione erano poche e i tempi ristretti.

Alla fine, prevalse il parere di Ramone, che con grande lungimiranza fece pubblicare il brano come primo singolo. Il successo, manco a dirsi, fu clamoroso: Just the Way You Are, pubblicata nel settembre del 1977, è diventata il primo singolo di Joel nella Top 10 degli Stati Uniti e nella Top 20 del Regno Unito (raggiunse rispettivamente la terza e la diciannovesima piazza), e fece vincere al songwriter anche due Grammy Awards per il disco dell’anno e la canzone dell’anno.

Joel raccontò che la melodia e la progressione degli accordi del brano furono il frutto di un sogno ispirato a Rag Doll, canzone portata al successo nel 1964 da Frankie Valli And The Four Seasons, che, qualche anno dopo, furono fonte d’ispirazione anche per Uptown Girl, gioiellino presente nello splendido An Innocent Man, album che uscirà nel 1981.

Just The Way You Are, come si può intuire dal titolo, è una canzone d’amore, il cui testo fu scritto da Joel per dedicarlo a Elisabeth Weber, che ai tempi era sua moglie e suo manager. Parole sentite, che sgorgavano dal cuore e che ogni innamorato vorrebbe sentirsi dire dalla persona amata: “I said I love you, that's forever, And this I promise from the heart, I couldn't love you any better, I love you just the way you are”.

Le cose fra i due, però, non finirono come auspicato dalla canzone: niente eterno amore, ma il divorzio, arrivato nel 1982. Dopo la separazione, per lungo tempo, Joel ha eseguito la canzone dal vivo molto raramente, non solo a causa di una ferita difficile da rimarginare, ma anche perché il suo batterista, Liberty DeVitto, durante le esecuzioni, parodiava il testo, canticchiando. “She Got The House, She Got The Car”: si è presa la casa e si è presa la macchina. A Billy non piaceva essere sfottuto.

 

 

Blackswan, venerdì 02/07/2021

PREVIEW

 

STEVE GUNN annuncia il nuovo album OTHER YOU, in uscita il 27 agosto su Matador. Other You è il sesto album del cantautore americano originario della Pennsylvania.
L'album è stato registrato durante due viaggi a Los Angeles verso la fine del 2020 e l'inizio del 2021 con il produttore Rob Schnapf (Beck, Elliott Smith, Cass McCombs, Kurt Vile) presso i Mant Studios di sua proprietà e con il musicista, nonchè amico di lunga data e collaboratore, Justin Tripp.

 

 

 

Blackswan, mercoledì 30/06/2021

 

GARY MOORE - HOW BLUE CAN YOU GET (Provogue, 2021)

 

Se n’è andato troppo presto, Gary Moore, ucciso a soli 58 anni da uno di quegli eccessi alcolici che hanno spesso caratterizzato la sua, ahimè, troppo breve esistenza. Il suo lascito, però, è stato importante, sia in termini quantitativi (una corposa discografia solista e la militanza in band come Thin Lizzy, Skid Row, Colosseum II) che qualitativi (pochi al mondo erano in grado di suonare (e far piangere) una Les Paul come lui).  

Dopo la pubblicazione di alcuni dischi live postumi (l’ultimo, Live In London dello scorso anno), a dieci anni dalla sua scomparsa, gli archivi del nordirlandese sono stati finalmente aperti per assemblare una nuova uscita che, sebbene contenga alcuni momenti davvero notevoli, suggerisce che di materiale ancora inedito ce ne sia poco e che quello presente non sia proprio di qualità eccelsa. Strano, perchè Moore, per quanto prematuramente scomparso, ha vissuto intensamente oltre quarant’anni di carriera: dal jazz prog-rock di Colosseum II al suo periodo nei Thin Lizzy, per non parlare poi di tanti dischi solisti in cui il chitarrista ha spaziato dall’hard rock al rock celtico, per diventare infine un alfiere del rock blues, grazie al suo tocco ferocemente appassionato, timbricamente stupendo, magistralmente articolato e tecnicamente impeccabile.

How Blue Can You Get si concentra proprio sulla produzione blues di Moore, raccogliendo in quarantacinque minuti otto tracce di originali inediti, cover e alternative takes. Il disco prende il via con una doppietta mozzafiato: la reinterpretazione ad alto numero di ottani di I'm Tore Down di Freddie King, seguita da un’altra vigorosa cover di Steppin’ Out di Memphis Slim. E’ un po' un cliché dire che un chitarrista fa cantare il proprio strumento, ma queste tracce dimostrano che la sua capacità di comunicare attraverso le dita era veramente di un altro pianeta. Ciò è particolarmente evidente anche in Love Can Make A Fool Of You, una ballata risalente all'epoca di Corridors of Power (1982), in cui il chitarrista irlandese oltre al formidabile tocco esprime al meglio tutto quel pathos emotivo che spesso caratterizzava le sue migliori performance.

Sebbene siano i momenti maggiormente attrattivi del disco, i due originali inediti abbassano, purtroppo, il livello della scaletta. In My Dreams suona come la replica delle malinconiche e agrodolci Still Got The Blues e Parisienne Walkways, con cui condivide lo stesso lick di chitarra: se quei due brani non fossero esistiti, staremmo probabilmente scrivendo di una grande canzone e non invece del parente povero di due dei momenti più significativi della carriera di Moore. L’altro inedito, Looking At Your Picture, nonostante il mood che evoca il sound del Delta, non va assolutamente da nessuna parte e suona più come un abbozzo, un work in proggress da rifinire. La stessa sensazione si ha anche con Done Somebody Wrong di Elmore James, e la title track, che appaiono prive di corpo, come fossero figlie di sessioni di prova e non invece frutto finale di un accurato lavoro di produzione.

In definitiva, vista la quantità di terreno musicale che Moore ha calpestato in vita e tenuto conto che questa è la sua prima pubblicazione d'archivio non live, How Blue Can You Get non rappresenta certo un tesoro imperdibile di gemme nascoste, ma semmai una curiosità per fan irriducibili. Se, invece, non conoscete Moore, questo non è certo il modo migliore per accostarsi a un formidabile chitarrista, di cui, converrebbe semmai, recuperare il meglio della sua ampia discografia.

VOTO: 6,5

 

 

Blackswan, martedì 29/06/2021 

DIRTY HONEY - DIRTY HONEY (Dirt Records, 2021)

 

Oggi, ascoltare classic rock è il gesto più anticonvenzionale che esista. Basta dare una rapida occhiata ai social per capire quanto questa musica sia oggetto di sberleffi, quanto gli appassionati del genere siano tacciati di passatismo, vecchi ruderi che vivono nei ricordi di una musica obsoleta, slegata al presente e ispirata a icone ormai svuotate di significato. Ed è strano, poi, vedere coloro che dovrebbero difendere, con le unghie e coi denti, la musica che amano, indossare i panni di spietati detrattori di giovani band (vedi Greta Van Fleet) che cercano di emulare, e a volte ci riescono pure, le gesta di quei gruppi che hanno scritto la storia (e la leggenda) del rock.

Eppure, nonostante tutto, ci sono ancora gruppi che tengono viva questa musica, che, indifferenti alle mode, con vibrante passione, continuano ad attizzare un fuoco che altrimenti si sarebbe spento da anni. Originari di Los Angeles, i Dirty Honey esordiscono con un disco prodotto e mixato da Nick Didia (Rage Against The Machine, Bruce Springsteen, Stone Temple Pilots, etc) e così classico che più classico non si può. Sono giovani e ancora devono conquistare quella visibilità che, ad ascoltare le otto canzoni in scaletta, già meriterebbero; nel frattempo, in attesa dei giorni di gloria, danno alle stampe questo primo full length, assai spartano, sia nella forma (la confezione minimal e priva di libretto, la durata stringata) che nella sostanza (gli arrangiamenti asciutti, l'approccio grezzo e senza artifici) ma già indicativo di una caratura più che discreta. Il suono, come accennato, guarda al passato e in scaletta i deja vù si sprecano.

L’opener California Dreaming, trainata dal cantato graffiante di Marc Labelle, si spinge in territori cari ai Led Zeppelin, ma con un retrogusto più americano che rimanda ai Black Crowes. Derivativi, si, ma con stile: The Wire possiede un groove pazzesco, così come il nuovo singolo Tired Up, che sembra uscito da un disco degli Aerosmith. Il tutto, però, suonato con un attitudine festaiola e un approccio meno serioso di quello, ad esempio, dei Greta Van Fleet. La sensazione, pertanto, è di autenticità e freschezza, e di un’energia tracimante, che esplode nel riff sporco e martellante di Take My Hand, nella derapata fulminante di Gypsy o nell’ennesima citazione Black Crowes della cazzutissima No Warning.

Chiudono il disco due gioiellini che esaltano nuovamente le doti di Labelle: The Morning, la cui spina dorsale è Ac/Dc al 100%, e Another Last Time, virile ballatona in quota Rolling Stones e metronomo di una band che cita tanto, ma che sa gestire con classe e passione un repertorio altrimenti prevedibile.

I Dirty Honey non sono solo l'ultimo di una lunga serie di gruppi rock ispirati agli anni '70, sono semmai una band che esprime molto più della somma delle evidenti influenze a cui si ispira e che possiede come punto di forza la voce straordinaria di Marc Labelle, capace di trasformare queste belle canzoni in futuri grandi classici di genere. Se il buongiorno si vede dal mattino, sarà una splendida giornata di sole. Rock on!

VOTO: 7,5

 

 

Blackswan, lunedì 28/06/2021

LOVE IS A LOSING GAME - AMY WINEHOUSE (Island, 2006)

 

27 anni. I maledetti 27 anni di Kurt Cobain, Jim Morrison, Janis Joplin. I maledetti 27 anni di Amy Winehouse, cometa capace di incendiare nella notte il cuore di chiunque abbia avuto la fortuna di ascoltare la sua voce, un bagliore di luce tanto fugace quanto luminoso e accecante, un bagliore nell’infinitezza dell’universo.

Alle 15:53 del 23 luglio 2011, Amy Winehouse viene trovata morta nel letto di casa sua al numero 30 di Camden Square. Non si conoscono le cause della morte, l’autopsia ha escluso la presenza di sostanze stupefacenti, confermando invece l’assunzione di alcool, ma non in un quantitativo tale da giustificare il decesso.  Alcool e droga. Sono questi i più fedeli compagni di vita della piccola Amy, un talento immenso nel corpo di una donna fragile, incapace di gestire la propria vita, debole e remissiva di fronte ai fantasmi del proprio dolore, indifesa agli occhi dei lupi voraci che la circondavano e che le hanno portato via quell’esuberanza e quella felicità che, sempre, dovrebbe essere il motore esistenziale di una giovane ragazza.

Amy muore da sola, minata dalla dipendenza, logorata dall’insensibilità altrui e soffocata da una richiesta d’amore che nessuno vuole o può ascoltare. La sua breve vita è stata una battaglia da cui è uscita sconfitta, senza appello, e quel cuore grande, lo stesso che, una volta, la spinse a gettarsi in mare per salvare la vita di una donna travolta dalle onde, ha smesso di battere, non a causa di quei fedeli compagni, alcool e droga, ma per troppo dolore.

I rapporti burrascosi con il produttore Mark Ronson, che si vantò di essere lui l’artefice del successo di Back To Black, quelli con il padre padrone Mitch, che pubblica Amy, My Daugter, sfruttando la morte della figlia a corpo ancora caldo, quelli con il proprio corpo (la bulimia e la chirurgia estetica) e quelli, infine, con l’amato ex marito Blake Fielder-Civil, compagno di sbronze e di sballi, che non ha saputo amare e proteggere quella ragazza tanto dolce quanto infelice, che non riusciva a dimenticarlo ("Amo ancora Blake ed ho voglia di vivere con lui nella mia nuova casa. Non gli permetterò di divorziare da me, lui è la versione maschile di me siamo fatti l'uno per l'altra”), hanno segnato una traiettoria esiziale.

L’amore salva la vita, ma Amy non si sentiva amata ed è morta. Perché l’amore è un gioco a perdere: divampa come un incendio, ti fa sentire onnipotente, ma prima o poi svanisce, portando via il senso di tutto, la speranza e lo sguardo rivolto al futuro. “Per te ero una fiamma, un fuoco alto cinque piani, mentre arrivavi” canta Amy, con quell’incredibile voce da nera, che raggrumava un gusto agrodolce di tormento, whisky e passione.

L’amore, però, è un fiamma che divampa nelle intemperie, arde, riscalda, ma può spegnersi in un attimo: “L’amore è un gioco a perdere, uno che vorrei non aver mai giocato, che casino abbiamo combinato, E ora, il fotogramma finale. L'amore è un gioco a perdere.”Si può lottare per amore, anche se sai che il destino è segnato, che il giocatore d’azzardo che hai di fronte (Know you're a gambling man) bara e non ti lascia speranza:” Anche se combatto alla cieca, l'amore è un destino rassegnato, i ricordi mi rovinano la mente, l’amore è un destino rassegnato, oltre le probabilità inutili e deriso dagli dei”.

Amy muore con questa certezza nel cuore: di aver dato tutto, quando ormai tutto era inutile, di aver dedicato tutta se stessa a chi non ne voleva più sapere, e di essere sola, vittima di una fato crudele e derisa dagli dei. 

Meraviglia in un disco di meraviglie (Rehab, You Know I’m Not Good, Back To Black, tra le altre), Love Is a Losing Game fu il quinto singolo estratto dal celebrato Back To Black, ma nonostante la bellezza del brano è stato quello che ha venduto meno nella carriera della Winehouse, arrivando solo alla piazza 33 delle charts britanniche. Un riconoscimento postumo alla caratura, musicale e poetica, della canzone arrivò, comunque, nel 2008, quando, a un corso di letteratura dell’Università di Cambridge, le liriche del brano vennero studiate per trovare similitudini con i poemi di Sir Walter Releigh, figura storica e letteraria inglese di primissimo piano. 

Amy se n’è andata troppo presto, ma ha lasciato due dischi, che sono tra le pagine più intense del pop soul del nuovo millennio, creando schiere di artiste che hanno cercato di replicare il suo approccio unico e inimitabile. Perché Amy ha cantato esattamente come ha vissuto: strafatta di alcool e di passione, senza filtri e protezioni, camminando sulla corda tesa di un’esistenza ostile, raccontando l’animo femminile nel modo sincero, acuto e profondo di chi paga il proprio immenso talento giocando, con coraggio, un gioco pericoloso e dall’esito scontato. L’amore, se c’è, salva la vita, se non c’è, rende l’arte eterna. Piccola, grande Amy.

 

 

Blackswan, venerdì 25/06/2021