Buckcherry - Roar Like Thunder (Earache, 2025)

 

Sarà anche una banalità, ma talvolta si ha la prova provata che il rock’n’roll fa bene alla salute, e mantiene giovani nonostante il tempo che passa inesorabilmente. E’ il caso dei losangelini Buckcherry, che festeggiano i trent’anni di carriera, ma suonano ancora come dei ventenni divorati dal sacro fuoco della musica.

Formatisi in California nel 1995, nel corso degli anni, la band ha superato rotture, cambi di formazione e le sabbie mobili del lockdown e della pandemia. Josh Todd, cazzutissimo frontman, nonostante abbia acquisito di recente lo status di grandfather, è ora l'unico membro originale, affiancato da Stevie Dacanay (chitarra), Billy Rowe (chitarra), Kelly LeMieux (basso) e Francis Ruiz (batteria).

L'undicesimo album della band, Roar Like Thunder, esplode di energia pura e di una spavalderia che ha pochi eguali, è un disco che si rifiuta di invecchiare, mostrando i muscoli, alzando il volume, e incarnando lo spirito selvaggio del quintetto, gagliardo e traboccante d’entusiasmo come se si fosse appena affacciato sulla scena.

I Buckcherry hanno registrato l'album ai Sienna Recording Studios di Nashville, collaborando nuovamente con il produttore di vecchia data, Marti Frederiksen (Aerosmith, Mötley Crüe e Ozzy Osbourne) e con il tecnico del suono Anthony Focx, noto per il suo lavoro con Metallica e Aerosmith. Il risultato è un disco moderno e incisivo, ma saldamente radicato nella tradizione hard rock, che sfrutta i punti di forza della band: riff audaci e vertiginosi, ritornelli di facile presa e, soprattutto, la voce di Josh Todd, sempre potente e grintosa, nonostante i cinquantacinque anni indicati dall’anagrafe.

La title track, "Roar Like Thunder", chiarisce subito che da queste parti non si fanno prigionieri, scatta travolgente con un ritmo da treno in corsa e piazza un ritornello che ti rimane in testa per giorni. Mettete le cinture e tenetevi forte, perché l’alta velocità rischierà di farvi capottare. "When The Sun Goes Down" è pura adrenalina punk rock, è arrabbiata e sporca, quel che basta per lasciarvi l’unto sotto le unghie, mentre "Come On" richiama i classici AC/DC con il suo groove martellante e le chitarre che friggono di spavalda elettricità.

Ci sono momenti in cui la band si attiene un po' troppo alla stessa formula e se sperate qualche cambio di rotta, qui non la troverete. Alcuni testi sfiorano i cliché (beh, che vi aspettate, che Josh Todd smetta di parlare di donne e alcol?), e un paio di brani sembrano già ascoltati decine di volte, ma, ciononostante, l'energia e la convinzione tengono alto il livello. Insomma, i Buckcherry fanno sempre lo stesso disco, ma lo sanno fare benissimo.

Poi, ogni tanto aggiungono qualche nuova spezia, e allora ben vengano canzoni come "Blackout", evidente omaggio ai Rage Against The Machine, o "I Got Bloom", che gira dalle parti degli Aerosmith più incazzati e tira bordate alzo zero grazie a un arrangiamento di ottoni sputa fuoco.

Nel lotto c’è anche "Hello Goodbye", un midtempo telefonatissimo ma egualmente centrato nel ritornello e la conclusiva "Let It Burn" tiratissimo shock rock, che entra in derapata nei padiglioni auricolari facendoli sanguinare.

Stilisticamente, Roar Like Thunder è puro Buckcherry sound: riff incalzanti, ritmi adrenalinici e un mood orgogliosamente ancorato allo sleaze e alla spavalderia dell'hard rock classico. La band, inoltre, porta con sé, esibendole come una medaglia, le sue influenze, dagli AC/DC agli Aerosmith, ma possiede la consapevolezza e la grinta per farle proprie.

Insomma, Josh Todd non cerca di inseguire le mode, e non ha mai smesso di essere coerente al proprio credo, che è quello di offrire un rock’n’roll diretto, sudatissimo e fiero delle proprie origini. Quindi, se avete voglia di zompare come grilli tra il salotto e il soggiorno, alzate il volume dello stereo e scatenatevi al suono di Roar Like Thunder. Con buona pace dei vicini e, se siete anzianetti come il sottoscritto, anche della cervicale. 

Voto: 8

Genere: Hard Rock

Blackswan, giovedì 03/07/2025

It's Been Awhile - Staind (Elektra, 2001)

 

Entrare nel tunnel della dipendenza, smarrirsi nel buio dell’anima, allontanare tutti coloro che posso aiutarti a riprendere fiducia in te stesso, a combattere il male di vivere. Fare un passo avanti verso la disintossicazione, e due indietro, e perdersi, ogni volta, in un loop vizioso, che risucchia verso l’abisso, togliendo ogni speranza alla resurrezione. In questa canzone, il cantante Aaron Lewis si sta fustigando, in quello che è lamento misto a rabbia e autocommiserazione. Il motivo è che ha perso l'unica donna che avrebbe potuto curare le sue dipendenze, donargli la giusta serenità per rimettersi in piedi e ripartire. E ha perso il supporto del padre, che ha fatto di tutto per aiutarlo.  Così, il ciclo autodistruttivo continua, mentre il tempo passa inesorabilmente e il baratro è sempre lì pronto ad accoglierlo, per un definitivo ed esiziale sprofondo.

 

And it’s been awhile

Since I can say that I wasn’t addicted

And it’s been awhile

Since I can say I love myself as well

And it’s been awhile

Since I’ve gone and f**ked things up

just like I always do

And it’s been awhile

But all that shit seems to disappear

when I’m with you

 

A leggere le liriche della canzone, sembra quasi impossibile che, ai tempi, Lewis vivesse una delle relazioni più sane e stabili della storia del rock. Il cantante degli Staind, infatti, aveva iniziato a frequentare la sua Vanessa nel 1997, prima che la band diventasse famosa. La coppia si è poi sposata l’anno successivo, e quando gli Staind hanno iniziato ad accumulare successi, Vanessa è stata una fonte incrollabile di supporto per Lewis, gestendo, spesso da sola, anche la crescita dei loro tre figli. 

Perché, allora, questa canzone è così cupa, così disperatamente arresa? Il motivo risiede esclusivamente nella personalità del cantante e nella sua visione pessimista e malinconica della vita: le parole di Lewis sono sempre state espressione di un dolore e di una depressione profondamente radicate nel suo animo. Così, a prescindere da ogni giudizio sulla qualità artistica della loro musica, è stato quasi inevitabile che queste rappresentazioni frontali dell'angoscia abbiano colpito nel segno molti ascoltatori, creando un legame emotivo strettissimo fra la band e il suo pubblico.

Senza girarci troppo intorno, se Aaron Lewis non era un allegrone, i suoi fan non erano da meno. Le parole del cantante avevano un peso, soprattutto perché condivise con molte anime fragili che provavano il suo stesso male di vivere. Così, quando nel 2001, un fan della band si suicidò mentre ascoltava una registrazione della sua stessa voce che cantava la canzone degli Staind Outside, Lewis cadde in un periodo di profonda prostrazione.

It's Been Awhile fu scelta come primo singolo da Break The Cycle, il terzo album in studio della band, ed è di gran lunga il più grande successo commerciale degli Staind, quello che diede loro visibilità internazionale. Trainato dalla canzone, Break The Cycle arrivò al primo posto in America e vendette oltre 5 milioni di copie (di cui 767.000 nella prima settimana). Il disco ebbe un discreto successo anche in Italia, dove Break The Cycle si affacciò quasi alla top ten, raggiungendo la tredicesima piazza in classifica.

 

 

 

Blackswan, martedì 01/07/2025

Pulp - More (Rough Trade, 2025)

 

Provo un piacere sottile a mettere nel lettore un nuovo cd di una delle band amate durante gli anni della gioventù. Nel 2025, è già successo con gli Skunk Anansie, tornati sulle scene dopo uno iato lunghissimo, e i Garbage, che non hanno mai smesso di fare musica, nonostante siano trascorsi tre decenni dagli esordi. Questo godimento è qualcosa che ha a che fare con la nostalgia, non c’è dubbio (ah, che emozione sentirsi ancora giovani), e probabilmente con l’insoddisfazione prodotta da tanti ascolti coevi di band o artisti osannati, ma incapaci di stimolare un orecchio “anziano” sia sotto il profilo della scrittura che della qualità tecnica dell’esecuzione. Così stanno le cose, per quanto mi riguarda. Sono orgogliosamente boomer, al punto che quando ho saputo che i Pulp, una delle band più geniali del movimento brit pop, sarebbe uscita con un nuovo disco dopo ben ventiquattro anni di silenzio, una lacrimuccia (facciamo anche due) mi ha rigato la guancia. Pura emozione.

Correva l’anno 1995, quando il gruppo capitanato da Jarvis Cocker pubblicò il suo quinto album in studio, Different Class, probabilmente la più grande affermazione artistica della band e certamente il loro lavoro di maggior successo commerciale. Dopo dodici anni trascorsi quasi esclusivamente ai margini di un riconoscimento significativo, i Pulp erano finalmente arrivati alle orecchie del grande pubblico, e si sarebbero rivelati difficili da dimenticare. Nonostante, successivamente, abbiano pubblicato solo altri due album (il cupo e disilluso This is Hardcore del 1998 e l'addio sontuoso We Love Life del 2001) la popolarità dei Pulp persiste ancora oggi, tanto che il tour della reunion del 2023 ha attirato grandi folle. Fu proprio durante quei mesi che si presentò per la prima volta la possibilità di scrivere nuova musica, con la band che provò il nuovo brano "Hymn of the North" durante le prove audio, per poi suonarlo in pubblico durante il live act.

Da quel momento qualcosa si è smosso, e il 2024 è stato un anno decisivo, dedicato, la prima metà, alla scrittura di nuovo materiale, e la seconda metà, alla registrazione del disco vero e proprio. Supervisionato dal produttore degli Arctic Monkeys, James Ford, e con la partecipazione del batterista storico Nick Banks, del chitarrista Mark Webber e della tastierista Candida Doyle, oltre ovviamente a Cocker, More è stato il disco dei Pulp più veloce mai registrato. Eppure, la scaletta che ne è il risultato non sembra assolutamente affrettata, tutt'altro.

Questo è evidente fin dal singolo principale e brano d'apertura dell'album "Spike Island", che suona immediatamente classico come qualsiasi successo degli anni '90 della band. Ritmo di batteria coinvolgente e una linea di basso vivace, la canzone si assesta su un profondo groove disco quando Cocker, ironizzando sulla sua età (quest’anno sono sessantadue) e sul ritorno sulle scene canta "Stavo lottando con la gruccia, indovina chi ha vinto?", poco prima che il ritornello da cantare in coro rievochi i giorni antemici del brit pop.

Anche "Tina", la seconda traccia, perpetua la tradizione della band, con un ritornello orecchiabile in mezzo a versi sommessi e ossessionanti. "Tina" è un classico Pulp, un gioiello bizzarro e accattivante attraverso cui Cocker racconta con sarcasmo di un amore che non decolla: "stiamo davvero bene insieme, perché non ci incontriamo mai".

La canzone successiva, "Grown Ups", è un po' azzardata, dura 5 minuti e 56 secondi, il che la rende il momento più lungo dell'album. Tuttavia, il risultato è brillante: tastiere potenti sostenute da un riff incalzante ammantano di energia i testi vividi di Cocker, che ci guidano attraverso le sue esperienze con l’invecchiamento.

In netto contrasto c'è la canzone successiva, "Slow Jam", che fa esattamente ciò che promette, e rallenta di molto il ritmo, attraverso una linea di basso rilassata e funky, e un cantato sommesso e malinconico con cui il cantante documenta la fine di una storia d’amore.

Se "Slow Jam" racconta il collasso di una relazione, "Farmers Market" ne accoglie, invece, la luce nascente. Accarezzata da delicati archi, linee di pianoforte sognanti e un tocco jazzy nel drumming la canzone fotografa sotto una luce agrodolce un incontro tra due anime coi trascorsi esistenziali della mezza età: "Hai sorriso e ho potuto vedere che la vita aveva preso anche te, ma non era niente di serio, solo una ferita superficiale".  

Il brano successivo, "My Sex", rappresenta un audace cambio di tono, con il sussurro sensuale di Cocker che segna un ritorno alla sfacciata spavalderia che ha alimentato una considerevole quantità di grandi successi dei Pulp. Come nel resto di More, però, il passare del tempo è sempre in agguato e sulle note di un funky sinuoso Cocker canta “sbrigati perché il mio sesso sta per esaurirsi", come se la vita potesse sfuggirgli di mano da un momento all'altro, una preoccupazione, questa, senza dubbio acuita dalla morte del bassista di lunga data Steve Mackey. Tuttavia, Cocker non si accontenta più di prodezze puramente sessuali, non è più un giovane spavaldo con un luminoso futuro davanti. A sessantun anni, il cantante è giunto alla conclusione che l'amore è ciò a cui tutti dovrebbero aspirare. "Senza amore, ti stai solo masturbando dentro qualcun altro", dichiara senza mezzi termini nel secondo singolo "Got To Have Love", un brano disco-pop travolgente (vengono in mente i Santa Esmeralda) con una costruzione e un rilascio magistrali, un numero che si rivelerà sicuramente un momento culminante quando verrà eseguito dal vivo.

Da qui in avanti il disco si avventura in un territorio dedicato alla ballata, e sebbene non sia questo il motivo per cui i Pulp sono più conosciuti, è probabilmente il punto di forza di questo ottimo More.

"Background Noise" racconta l’amara consapevolezza del vuoto lasciato dalla rottura di una storia: Cocker paragona l'amore al "ronzio di un frigorifero, che noti solo quando scompare", dando vita a un ritornello melodico e drammatico che si distingue come uno dei momenti migliori dell'album. "Partial Eclipse" è piacevole, anche se un po' dimenticabile, mentre la penultima canzone, "Hymn of the North", è una delle vette del disco. Note di piano sgocciolate, e voce da crooner, il brano si sviluppa lentamente, prima che un bridge alla Style Council interrompa per pochi secondi il flusso e apra a una seconda metà composta di archi, ottoni e linee vocali ipnotiche, per poi apparire nuovamente dal nulla.

Alla fine, l'album ha in serbo un'altra chicca. "A Sunset" è un brano dal dolce ondeggiare, avvolto da lussureggianti fioriture orchestrali. Un modo appropriato per concludere l'album, con dolcezza e tanta ironica sagacia, quando Cocker canta, quasi sorridendo, una tremenda verità: "La prima regola dell'economia? Le persone infelici spendono di più".

More segna un grande ritorno, il ritorno di una delle band più influenti degli anni ’90, a cui il tempo trascorso ha concesso una nuova possibilità, magistralmente sfruttata. Undici canzoni che suonano come dovrebbe suonare la musica dei Pulp oggi, che è il tempo dei capelli grigi e dei rimpianti che aprono a una nuova consapevolezza, che spingono ad adeguarsi a un nuovo sentire. More è il suono della vita che scorre, del tempo che ci erode lentamente ma anche di tutta la bellezza che abbiamo avuto la fortuna di vedere. La spavalderia di un tempo si è attenuata, l’ironia è più sottile, le riflessioni più temperate e agrodolci. Ciò che resta intatta, però, è la musica, bella e coinvolgente esattamente come trent’anni fa.

Voto: 8

Genere: Pop

 

 

 

Blackswan, lunedì 30/06/2025

 

Young Gun Silver Fox - Pleasure (Monty Records, 2025)

 

Sembrerebbe roba da vecchi nostalgici anni ’70, e forse in parte lo è. Eppure, visto il successo del duo londinese, il gradimento risulta essere trasversale, grazie a una proposta, rifinita in dieci anni di carriera, che ha il merito di essere incredibilmente orecchiabile, buona per tutti i palati, nonostante l’altissima qualità del songwriting e un cesello strumentale formidabile.

I Young Gun Silver Fox sono una coppia formata dal frontman dei Mamas Gun, Andy Platts, e dall'artista/autore/produttore Shawn Lee. I due hanno già pubblicato quattro album acclamati dalla critica e di grande successo commerciale, e con questo nuovo Pleasure, è evidente che la loro traiettoria ascendente è destinata a continuare, offrendo ancora una volta il loro sound unico: un cocktail eclettico di yacht rock, funky e blue-eyed soul, che ha mandato a memoria la lezione di artisti quali Steely Dan, Christopher Cross, Earth Wind & Fire, Stevie Wonder e Brian Wilson.

Un suono classicissimo, eppure, ancora, incredibilmente necessario, una via di fuga da un mondo roboante, in cui le vite delle persone sono costrette in un frullatore troppo veloce e logorante. La musica dei Young Gun Silver Fox, come recitava una vecchia pubblicità italiana, sembra essere concepita apposta contro il logorio della vita moderna, è una pausa dagli affanni, una sosta da un girovagare senza senso, che restituisce un po’ di quella bellezza che andiamo progressivamente dimenticando. Nulla di nuovo, nulla di sperimentale, sia bene inteso, semplicemente il riappropriarsi del proprio tempo di qualità, attraverso canzoni che creano un immaginario composto dalla dolcezza ventilata di un’estate al mare, di gite in barca e tramonti da esplorare con gli occhi persi all’orizzonte, di feste sulla spiaggia, mentre nel cuore della notte la risacca accompagna l’eccitazione di groove eleganti, stilosi nel loro completo di lino bianco.

Registrato in parte separatamente, attraverso lo scambio di file, e in parte nello studio di Platts, The Prairie, l’album si apre con il singolo principale "Stevie e Sly", canzone che rende omaggio a due giganti della musica, citandoli ma creando un approccio ritmico personalissimo. Apparentemente funk da cocktail party, che invece risucchia l’effimero dell’occasione in un groove irresistibile, tanto che ascoltata una volta, sfido chiunque a resistere dal metterla in loop per altre dieci.

"Pleasure", basta il titolo a farlo capire, è un cestino di ciliege, ne assaggi una e non smetti di mangiarle. "Born To Dream" è allegra e confortevole al contempo, ricorda i Doobie Brothers e Christopher Cross, ascolti di cinquant’anni fa, che riprendono vita con un vigore che lascia a bocca aperta.

Gli arrangiamenti per fiati brillano grazie a un affiatato trio di musicisti ospiti, ma a parte questo, sono Platts e Lee a gestire lo spettacolo: producono, suonano e si occupano della parte tecnica con una consapevolezza superiore e un'anima vintage nelle vene.

Ecco, allora, che per i nostalgici degli Steely Dan gli intrecci vocali della conclusiva "One Horse Race" o la malinconia soffusa di "Late Night Last Train", che fluttua con un'intimità onirica, coronata da un solo di chitarra che sembra sprigionato dall'etere, sarà come potersi abbeverare nuovamente alla fonte della vita eterna, mentre "Burning Daylight" consolerà i fan degli Earth, Wind & Fire (incredibile l’arrangiamento di fiati), che ritroveranno un suono antico riletto con sensibilità blue-eyed soul.

E se chiudete gli occhi, si può anche immaginare di ballare su una rotonda affacciata sul mare, mentre la brezza della notte porta con sé funk sinuosi glitterati di polvere di stelle anni ’70 ("Holding Back The Fire"), o stilosissimi midtempo, tutto gel e completo nero su giacca bianca, come quando quegli anni erano rivisitati dalla coolness dandy di Robert Palmer ("Just For Pleasure").

Il risultato è un disco che sfida le tendenze del momento, riportando in vita un mondo lontano, che, senza prendersi troppo sul serio, finisce comunque per essere dolce lenimento per l’anima: Pleasure è caldo, melodico e avvolgente. E’ pura evasione, e un promemoria che la musica di qualità non passa mai di moda, ma continua a far stare maledettamente bene chi l’ascolta.

Voto: 8

Genere: Yacht Rock, Funky, Soul, Pop

 

 

 

Blackswan, giovedì 26/06/2025

Garbage - Let All That We Imagine Be The Light (BMG, 2025)

 

Trent’anni di carriera e non sentirli. Se il precedente, ottimo, No Gods, No Masters (2021) pubblicato nei giorni cupi della pandemia, era un disco arrabbiato, fortemente politicizzato, quasi minaccioso nella sua cupa mise en place, Let All That We Imagine Be The Light non perde la carica d’urgenza che aveva caratterizzato il predecessore, riuscendo a essere egualmente rilevante e musicalmente intrigante. Tuttavia l’approccio modifica, almeno in parte, la prospettiva, e i toni risultano, in qualche modo, meno esasperati.

Questo ottavo album in studio, conferma la presenza di tutti e quattro i membri originali (Shirley Manson, Duke Erikson, Steve Marker e Butch Vig) che insieme hanno messo mano al songwriting e alla produzione, insieme al sodale di lunga data, Billy Bush. Registrato tra il Red Razor Studio di Los Angeles, il Grunge Is Dead Studio di Vig e persino la camera da letto della Manson, il disco, come dicevamo, vede la band allontanarsi dal mood rabbioso e indignato di No Gods No Masters, per abbracciare un suono pop rock più caldo e melodico, e guardare alla follia di un mondo che ha imboccato la strada dell’autodistruzione, attraverso occhi che cercano speranza e parole che veicolano positivi messaggi d’amore.

Un disco vitale ed emotivamente complesso, quindi, concepito per gran parte durante il recupero fisico e psicologico della Manson, a seguito di un intervento chirurgico all'anca e un prolungato blocco creativo. "L'album parla molto della ricerca dell'amore nel mondo come strumento per combattere l'odio che proviamo", ha spiegato in più di un’occasione la cantante, e questa prospettiva conferisce al disco un importante nucleo meditativo, in cui al dolore, alla distruzione e alla mortalità, si contrappongono temi come speranza, guarigione e accettazione di sé.

Non è un caso che l’album si apra con il brano manifesto del nuovo corso, "There's No Future in Optimism", in cui è immediatamente riconoscibile il marchio di fabbrica Garbage (fuzz di chitarra distorta, bassi pulsanti, synth analogici e la voce ustionante della Manson) e il cui titolo cupo contrasta con le liriche, che contengono un invito ad abbracciare l'amore anziché la disperazione. "Sei pronto per l'amore?" chiede la cantante, sfidando la rassegnazione con un impeto di resistenza e ottimismo.

Temi prevalentemente universali, quelli trattati in Let All That We Imagine Be The Light, che lasciano talvolta spazio a riflessioni personali, come nella scorbutica "Chinese Fire Horse", in cui la Manson incanala la rabbia in testi taglienti rivolti a tutti coloro che l’hanno invitata a ritirarsi, a causa dei problemi di salute e dell’età che avanza inesorabile (“You Say My Time Is Over…But The Truth Is On My Side, I’m Not Dead, I’m Not Done”) o nella conclusiva e intensa "The Day That I Met God", in cui la Manson racconta senza veli i suoi problemi di salute, la sua depressione, la lenta guarigione grazie a un Dio chiamato Tramadol (analgesico della famiglia degli oppioidi).

L’alchimia messa in atto dai Garbage è quella dei giorni migliori, quella che riesce a creare canzoni tanto spigolose quanto melodiche (l’incedere disturbante di "Hold" è spazzato via da un ritornello che non fa prigionieri), prodotte mirabilmente e immediatamente riconoscibili di un sound identitario da ormai trent’anni. In tal senso, "Get Out of My Face, AKA Bad Kitty" nasce da una matrice abusata ma non usurata, anzi pervasa da rinnovata energia, che trasforma il brano in un fremente inno alla sopravvivenza e alla fiducia in se stessi, un invito alla ribellione, costi quel che costi: "Se non puoi unirti a loro, allora devi batterli".

La scaletta funziona tutta, dalla prima all’ultima nota, sia nel mood sinistro e teso della cinematografica "Have We Met (The Void)", sia nelle trame sognanti di "Sisyphus" che nella tensione vagamente trip hop della splendida "Radical", ennesimo struggente invito alla speranza: “Let All That We Imagine Be The Light, It’s Radical”).

Let All That We Imagine Be The Light è un ottimo disco, un disco inconfondibilmente Garbage: chitarre spigolose, beat angolari, paesaggi sonori cinematografici avvolgenti, tante cose da dire e una produzione raffinata. E’ anche, però, un lavoro più caldo del suo predecessore ed è emotivamente profondo. Un disco sul dolore e la lotta per la sopravvivenza, che invita a continuare a combattere e a cercare la risposta nell’amore. Perché nel marasma in cui versa l’umanità, nella distruzione e nelle rovine, la bellezza è ancora possibile. Basta cercare la luce, anche laddove tutto sembra oscurità.

Voto: 8

Genere: Alternative, rock

 

 

 

Blackswan, martedì 24/06/2025