Avendo
letto Metamorphoses per la prima volta, Rina Mushonga, nell’anno della
trasformazione, si è autoconfessato attingendo a una miriade di idee ed
esperienze personali. Pieno di riflessioni sul cosmo e sulla nostra
collocazione all’interno di esso, “In A Galaxy” è l’incarnazione
musicale di queste riflessioni; Mushonga stesso ammette che c’è più di
un cenno nel testo di apertura su Star Wars, ma che nel suo complesso si
riferisce a come lo spazio e il tempo relativi si trovino nel modo in
cui interagiamo – “la Terra vista come parte di una galassia ci lega
all’umanità”.
“In
A Galaxy” ronza con un eclettismo che potrebbe essere ricondotto al
retaggio di essersi spostata in vari momenti della sua vita – ha vissuto
in India, nello Zimbabwe e nei Paesi Bassi prima di stabilirsi a
Londra; suo padre si è sempre orgogliosamente riferito alla famiglia
come “cittadini globali, apparteniamo ad ogni luogo” – spiega lei
aggiungendo: “Mi piaceva e mi ci sono identificata ed è quel salto di
genere che meglio mi rappresenta, come vedo le cose e come sperimento il
mondo”.
“InA
Galaxy” è il risultato di quattro anni di lavoro in cui Mushonga a
messo da parte le distrazioni concentrandosi e facendo affidamento sulle
proprie capacità e sul proprio istinto. L’artista ha registrato l’album
nella sua casa adottiva a Peckham col produttore Brett Shaw; le tracce
base erano già state preparate assieme a Frans Verburg nel suo studio di
Rotterdam. Il risultato è pop intelligente e diversificato che la
stessa Mushonga descrive come “Paul Simon in un dance club africano
pieno di sudore”.
Si
scrive Billy Gibbons, ma si pronuncia ZZ Top, o almeno, così, si diceva
un tempo. Oggi, il chitarrista texano, da qualche tempo ha abbandonato
la casa madre e dopo quasi mezzo secolo dal suo esordio sulle scene,
consolida la fresca carriera solista con un nuovo album, The Big Bad Blues. Il primo, intitolato Perfectamundo
e pubblicato nel 2015, nelle intenzioni di Gibbons avrebbe dovuto
mettere a confronto e far convivere le suggestioni derivanti da due
diverse tradizioni musicali, quella cubana e quella texana in quota
rock-blues.
Registrato
tra la Spagna, il Texas e la California, quel disco nasceva con
l'intento di stupire, di cercare strade espressive più originali
rispetto a quelle di un passato ormai risaputo, e di sperimentare con
quei suoni latini, che appaiono concettualmente agli antipodi rispetto
al ringhio hard boogie che fu dei mitici Tres Hombres.
Operazione senz'altro commendevole, sulla carta molto intrigante e,
verrebbe da dire, financo coraggiosa, se non fosse che, chi in carriera
ha venduto più di cinquanta milioni di dischi, può permettersi azzardi
di questo tipo senza, in fin dei conti, rischiare granché. Il fatto è
che Perfectamundo era un disco riuscito male, un'accozzaglia
confusa e sfiatata di banal blues, latin rock, funky, elettronica
(oddio, che pena gli ZZ Top degli anni '80!), ove spesso si mostravano i
bicipiti per compensare un'evidente mancanza di ispirazione.
Non
il miglior viatico, insomma, per mettere sul piatto dello stereo questo
sophomore, che, a dispetto del suo predecessore, funziona, e anche
molto bene. La ricetta è di una semplicità quasi banale: accantonati gli
unitili sperimentalismi di Perfectamundo e sgrassato il suono
che aveva reso molti degli ultimi lavori degli ZZ Top dei polpettoni
indigeribili, il buon Billy, a due passi dal suo settantesimo
compleanno, torna all’essenziale e all’originale, sfornando un disco di
blues schietto e genuino.
Basta, infatti, ascoltare l’iniziale Missin’ Yo’ Kissin’, una grintosissima tirata che fa il verso a La Grange,
per capire da che parte giri il fumo. Affiancato da un pugno di ottimi
comprimari (Matt Sorumalla batteria, Mike Flanigin al pianoforte, Austin
Hanks alla chitarra, James Harman all’armonica e Joe Hardy al basso),
Gibbons scolpisce nella pietra una scaletta composta di brani originali e
di cover (su tutte Standing Around Crying e Rollin’ and Tumblin’ di Muddy Waters), evitando di perdersi in fronzoli e amenità assortite (la sola, conclusiva Crackin’ Up suona come uno scarto ed è più vicina al mood di Perfectamundo), ma innestando la quarta e sfoderando chili di muscoli e litri di sudore.
Riff
assassini, chitarre elettriche ruvide e sporche, e la voce di chi,
oltre all’età ha sul groppone anche un bel po' di bevute, fanno di
questo The Big Bad Blues un disco viscerale e solido, che corre
dritto come un fuso a lucidare l’argenteria dei giorni migliori. Da
ascoltare tutto d’un fiato, nella speranza che Gibbons si sia assestato
su questi standard e rifugga per sempre perniciosissime, quanto inutili,
sperimentazioni.
Benjamin Francis Leftwich
ritorna con un nuovo singolo intitolato “Gratitude”. Si tratta del primo brano tratto dal terzo album di Leftwich, in uscita nei primi mesi del 2019 su Dirty Hit.
Recentemente Leftwich ha pubblicato un EP, I Am With You, accompagnato dai singoli “Numb” e “I Am With You”.
“Gratitude”,
che riprende il sound dell’EP, vede Leftwich aggiungere elementi
elettronici ad una produzione più oscura e intricata, mantenendo
comunque le emozioni crude che hanno caratterizzato
il suo precedente lavoro.
Tra marzo e aprile Leftwich partirà per un tour nel Regno Unito.
Richard
Ashcroft è stato protagonista assoluto con i suoi Verve della stagione
d’oro del brit pop, ha venduto milioni di album, è stato in cima alle
charts con hit immortali e ha partorito Urban Hymns (1997), quello che
può essere definito uno dei dischi simbolo (forse il migliore in
assoluto) dell’intero movimento.
Lasciarsi
alle spalle quegli anni leggendari e ricostruirsi una carriera
credibile dopo lo scioglimento dei Verve non era cosa semplice e,
bisogna dire che Ashcroft se l’è cavata discretamente bene, con un gran
bel disco d’esordio, Alone With Everybody (2000), e poi con una serie di lavori non indimenticabili ma comunque di qualità.
Insomma,
se è vero che il livello compositivo degli anni coi Verve non è mai più
stato raggiunto, nemmeno si può dire che il nostro abbia sbracato,
giocando al raschio del barile con idee riciclate. Questo nuovo Natural Rebel
conferma l’assunto di cui sopra: nessuna ribellione, nessun slancio
creativo che faccia intravvedere qualcosa di nuovo, ma un buon disco di
pop rock e un pugno di canzoni accarezzate dalla inconfondibile voce di
Ashcroft, che riesce ancora a creare melodie irresistibili e di facile
presa.
Niente
che faccia gridare al miracolo, ovviamente, perché la proposta di
Ashcroft è un po' come quella del ristorantino sotto casa, dove vai a
mangiare quando non hai voglia di cucinare: le portate del menù sono
sempre le stesse, ma hanno comunque il merito di essere genuine e ben
preparate. Alla soglia dei cinquant’anni, l’ex leader dei Verve non deve
dimostrare più niente a nessuno, e risulta quindi confortante il fatto
che, nonostante la prevedibilità della scaletta, Ashcroft ci metta più
passione che mestiere.
Così,
in definitiva, tutto funziona molto meglio di quanto ci saremmo
aspettati, sia quando il nostro cuce un arrangiamento d’archi intorno al
pop delizioso di Surprised By The Joy, sia quando gioca a citare il proprio passato (Birds Fly) o quando mostra i muscoli con il rock tamarro di Money Money. E siccome la classe non è acqua, la penna di Ashcroft riscrive anche pagine di antica gloria con All My Dreams e We All Bleed,
due canzoni che testimoniano quanto ancora di buono ci sia nel cuore e
nel cervello di questo musicista simbolo degli anni ’90.
Natural Rebel
non entrerà nelle classifiche di fine anno ed è un disco di cui, con
molta probabilità, ci dimenticheremo in breve tempo. Ciò nonostante la
voce di Ashcroft mantiene una notevole capacità espressiva, gli
arrangiamenti sono decisamente più misurati che in passato e queste
canzoni, per quanto innocue, si fanno riascoltare più volte con estremo
piacere. Un po' poco, certo, per chi ha scritto autentiche gemme come History o A Song For Lovers,
ma comunque un lavoro di gran lunga più riuscito di quelli proposti da
altri reduci di quel decennio (leggi pure fratelli Gallagher).
La cantautrice australiana Julia Jacklin annuncia l’uscita del nuovo album CRUSHING per il 22 febbraio via Transgressive Records. Per celebrare l’annuncio, Jackie condivide il nuovo singolo Head Alone, aguzzo ed elettrificante inno del rifiuto: “I don’t want to be touched all the time / I raised my body up to be mine”.
Parlando della canzone, Jackie dice: “Ho
scritto la maggior parte di Head Alone in tour, cantandola a me stessa,
mentre guardavo fuori dal finestrino durante gli infiniti viaggi in
auto. Non è una canzone che nasce da un’esperienza singolare. Viene da
due anni di sensazione che lo spazio intorno a me si restringeva al
punto in cui non riuscivo nemmeno a sollevare le braccia. Questa canzone
sono io che alzo le braccia e corro in uno spazio aperto. Un piccolo
appello a coloro che mi circondano di lasciarmi spazio, e una canzone
per ricordare a me stessa che va bene rafforzare i confini, le persone
buone ascolteranno, si adatteranno e continueranno ad amarti.”
Il
secondo full-length di Julia Jackin racchiude in sé ogni possibile
significato della parola che ad esso dà il titolo: “Crushing”. È un
album pieno di intensità, una storia di cuori spezzati e infatuazioni. E
con la sua narrazione centrata su corpi e confini incrociati e
soffocante vicinanza, “Crushing” rivela come la nostra esperienza fisica
del mondo modella e talvolta distorce la nostra vita interiore. Dopo
“Don’t Let The Kids Win”, l’acclamato debutto del 2016, “Crushing”
dimostra che Jackie sa riconoscere ciò che da lei ci si attende, e
rifiutare poi con grazia quelle aspettative. Di conseguenza, il disco
invita ad autoesaminarsi e a prendere in considerazione un possibile
spostamento del modo in cui chi ascolta osserva il mondo.
“Mi piace molto questo album,” dice Jackie. “Ci
ho lavorato molto duramente e provo piacere nell’ascoltarlo. Di solito
non è quello che sento dopo aver fatto qualcosa. Finalmente sono
arrivato ad accettarlo, fare dischi significa catturare un tempo; chi
sono io in quel tempo, che cosa ho bisogno di dire e qual è il modo
migliore per dirlo, con il minimo necessario dei fronzoli di studio.
Perciò sono davvero felice di ‘Crushing’. È stato difficile ideare la
copertina, sembrava che non riuscissi a trovare l’immagine che
rappresentasse questa musica nel modo giusto. Stranamente, le scadenze
brevi mi rendono più creativa. Ero in tour negli States col mio migliore
amico Nick Mckk, che ha scattato molte foto. Abbandonammo l’autostrada
in Pennsylvania e trovammo una cittadina di nome Krumsville. C’era un
negozio di antiquariato con un proprietario molto simpatico che ci ha
lasciato curiosare ovunque. Ho preso il maglione fatto il giorno prima a
New York City, lo stesso giorno in cui ho deciso il titolo dell’album.
Penso che funzioni.”
Prodotto
da Burke Reid (Courtney Barnett, Liam Finn) e registrato ai Grove
Studios, “Crushing” è la sobria sfida di Julia a uno sfondo sonoro
grezzo ma luminoso. “In tutte le canzoni si può sentire ogni suono di
ogni singolo strumento; potete sentirmi respirare. Per me è molto
importante che possiate ascoltare tutto per tutto il disco, senza nessun
trucchetto da studio.”
“Crushing”
scorre con una facilità che riecheggia la ritrovata fiducia in sé
stessa della Jacklin come artista. “Nel primo album ero molto nervosa e
quasi non riuscivo a vedermi come musicista, ma dopo essere stata in
tour per due anni, ho avuto la sensazione di meritare di essere in
quello spazio,” dice. In tutto il disco, quel senso di fiducia si
manifesta in uno dei suoi elementi essenziali: la forza accattivante dei
testi. Non solo prova della sua ingenuità e della sua generosità
artistica, la specificità intransigente dell’autrice e la sua
imprevedibilità fraseologica scaturiscono da un totale autocontrollo del
processo di scrittura.
"Ho amato, ho perdonato, sicuramente avrò
commesso degli errori ma ci ho creduto fino in fondo".
Parole amare, queste. E non di un testo di Claudio
Baglioni ma nientepopodimeno che di Matteo Salvini. Il ministro degli Interni e
Dintorni e' stato sedotto e abbandonato. Si sa, l'amore è eterno finché dura,
ma nell'idillio più social e mediatico di questi ultimi tempi, pari in termini
di visibilità alla coppia Fedez-Ferragni, di eterno c'è solamente un narcisismo
ossessivo, compulsivo e pure irriverente dei protagonisti. Veniamo ai fatti.
Lei (Elisa Isoardi, rampante conduttrice televisiva) pubblica una foto su
Istagram per annunciare la fine della love story con il golden boy leghista.
E fin qui nulla di male. Peccato che l'istantanea
ritrae i due fidanzati non al supermercato o ai giardinetti sotto casa, ma nel
pieno di un momento di intimità nel quale il ministro, con tanto di petto nudo,
sul letto a occhi chiusi sembra baciare la fanciulla, mentre quest'ultima con
uno sguardo da maliarda, sorride in accappatoio bianco.
Onestamente, poco mi importa di chi ha mollato chi, e
men che meno che Salvini ora "dorme sereno da solo ma non è così
sfigato". Quel che è ormai certo è il declino inarrestabile di una società
in cui si è insediato il principio del "posto, ergo sono". Sappiamo
fin troppo bene che l'essere on line ormai prevalga su qualunque forma di
intima elaborazione di un evento personale e che ancora prima di vivere un
momento della propria vita si preferisca condividerlo.
Ma questo tema dovrebbe riguardare le persone
cosiddette normali. Matteo Salvini e' un ministro della Repubblica Italiana e
certi scatti "privati" avrebbero dovuto (e potuto) essere
evitati. Non me ne vogliano la signorina Isoardi che ha perso un'occasione per
dimostrare un certo decoro ne' il ministro stesso che ha replicato da star
dello showbiz con il solito post su Facebook. In fondo, come disse Alessandro
Manzoni, il buon senso c'era, ma se ne stava nascosto per paura del senso
comune.
Se
è legittimo giudicare la grandezza di una band dal grado di maturità
raggiunto, si può affermare che i Cloud Nothings, con il loro ultimo Last Building Burning,
siano finalmente diventati grandi. Non fraintendete: stiamo parlando di
un band che ha fatto della veracità e della qualità un marchio di
fabbrica, inanellando un crescendo di dischi uno più bello dell’altro.
Gli
ultimi quattro anni di carriera sono però stati decisivi per il
processo di crescita arrivato oggi al suo zenit: nel 2014, con Here And Nowhere Else,
i CN hanno tenuto una lectio magistralis su come gestire la materia
pop-punk, dosando un perfetto equilibrio fra melodie accattivanti,
ritornelli catchy e la potenza deragliante di un noise rock urlato e
vibrante, mentre, con il successivo Life Without a Sound dello
scorso anno, hanno smussato gli spigoli più acuminati, dando maggior
peso alla componente pop del loro songwriting. Due opere di valore
assoluto, quindi, che hanno trasformato il giocattolino nelle mani di
Dylan Baldi in una macchina da guerra che non sbaglia un colpo.
Last Building Burning
eredita il meglio dei due dischi precedenti, innervando le otto canzoni
che lo compongo di un furore selvaggio, gestito però con grande
sapienza e fatto convivere per la prima volta in una forma canzone
inusuale per gli standard dei Cloud Nothings. Ciò avviene in Dissolution,
che non solo si pone come uno degli high lights del disco, ma propone
anche un minutaggio inusitato e debordante. E’ un universo parallelo,
quello esplorato dalla band originaria dell’Ohio, che, per la prima
volta in carriera, coagula in quasi undici minuti un ribollente magma
ove convivono post hard core, noise, feedback, riverberi, nebulose
rarefatte e una vibrante coda, in cui una ritmica martellante e
ossessiva conduce nuovamente alla violenta deflagrazione iniziale. Una
struttura circolare e complessa, a testimonianza di una band capace di
uscire dalla comfort zone per cercare nuovi territori in cui esprimere
una creatività che ha raggiunto picchi altissimi.
Se Dissolution
rappresenta una possibile nuova traiettoria per il futuro dei Cloud
Nothings, il resto del disco eleva al massimo possibile gli standard già
alti a cui il combo americano ci ha abituati. Lo fa fin da subito, con
l’opener On An Edge, sconquasso post hard core, che colpisce
nel segno come un uppercut sullo zigomo, aumentando notevolmente una
potenza di tiro già considerevole.
Sanno fare malissimo, i Cloud Nothings, ma non dimenticano mai di giocarsi anche la carta vincente di un paio di brani (Leave Him Now e Another Way Of Life),
in cui chiamano all’appello quelle accattivanti melodie lo-fi, che da
sempre sono il piatto forte della casa. Due ottime canzoni, che da sole,
però, non sposterebbero il giudizio su un disco che possiede, invece,
le stigmate dell’alternative instant classic.
In Shame, infatti, riaccende l’epos della bellissima I’m Not A Part Of Me (da Here And Nowhere Else),
gonfiando di lirismo sturm und drang tre minuti di canzone che sfidano
con lo sguardo di fuoco il cupo livore del cielo in tempesta. Stupisce,
poi, la ruggine nostalgica che ossida il riff post punk di Offer An End, e straziano il cuore le unghiate malinconiche sul muro elettrico di So Right So Clean, ballata che destruttura con ruvide distorsioni una melodia intrisa di rassegnata disperazione.
Se
ancora c’è qualcuno che pensa ai Cloud Nothings come a una band di
cazzoni alle prese con del pop punk tardo adolescenziale, dopo aver
ascoltato Last Building Burning, avrà modo di ricredersi
definitivamente: il trio di Cleveland esibisce una qualità compositiva
da fuoriclasse e firma quello che può essere senz’altro definito il
proprio capolavoro. Un disco che ferisce i padiglioni auricolari con
scariche elettriche di rinnovata ferocia e guarda a un possibile nuovo
futuro con baldanzosa consapevolezza. Indispensabile.
Oggi i
Methyl Ethel annunciano il loro nuovo album intitolato
Triage, in uscita il 15 febbraio su 4AD distribuzione Self. La band condivide inoltre il singolo
”Real Tight” e il video che lo accompagna diretto da Matt Sav.
Triage
è il terzo album per la band di Perth, Australia. È stato scritto e
prodotto dal cantante Jake Webb, mixato da Marta Salogni e masterizzato
da Heba Kadry.
Con tre album e tre EP alle spalle, all’età di trent’anni Webb ha voltato pagina con
Triage. I
Methyl Ethel hanno sempre avuto un aspetto surrealista – un’espressione dark e oscura della vita con uno sfondo dream pop –ma
Triage è un album più riflessivo, che esplora l’avanzare dell’età mostrando i ricordi del passato come istantanee di una vita.
Methyl Ethel,
progetto musicale di Jake Webb, è ora una band di cinque elementi che
include Thom Stewart, Chris Wright, Lyndon Blue e Jacob Diamond. I
Methyl Ethel hanno goduto di un successo
fenomenale in Australia negli ultimi anni. Ubu
è stato certificato oro dall’ARIA dopo aver raggiunto la quarta
posizione nella classifica di Triple J Hottest 100 del 2017 e il singolo
“Drink Wine” tratto da
Everything Is Forgotten
, si è piazzato nei primi posti della Australian Independent Singles
Chart (AIR). La band ha vinto anche le categorie Best Pop Act e Best
Album ai WAM Awards nel 2017 e
ha suonato in Australia e nel Regno Unito una serie di date sold-out.
Con l’uscita di Triage, I
Methyl Ethel partiranno per un tour in Australia, Regno Unito e America del Nord.
Le
Pistol Annies non sbagliano un colpo, e quando decidono di abbandonare
le rispettive carriere per abbracciare questo progetto parallelo, filano
diritte in vetta alle classifiche di genere. Stiamo parlando di un
supergruppo, ovviamente, o forse meglio sarebbe scrivere "Il Supergruppo" country al femminile, visto che questo terzetto è composto niente di meno che da Miranda Lambert, Angaleena Presley e Ashley Monroe, tre icone del suono nashvilliano doc e autentiche dominatrici delle charts.
Ulteriore
peculiarità della band, poi, è che ciascuna delle tre note componenti
si è spossessata della propria identità reale per abbracciare un alter
ego, Lonestar Annie (Lambert), Holler Annie (Presley) e Hippie Annie
(Monroe), cosa che le permette di suonare e cantare creando una diversa
prospettiva rispetto a quella che il pubblico già conosce. Nella
finzione, infatti, le tre Pistol Annies appaiono un gruppo di donne
turbolente e svagate che si dilettano a sfottere il genere maschile,
sfruttando l'eccesso di caricatura della propria personalità reale.
Questo
in apparenza. In realtà, le tre ragazze utilizzano questa messa in
scena per portare frammenti delle loro anime ed esperienze intime delle
loro vite personali che evidentemente non hanno il coraggio o la
capacità di esplorare altrimenti, usando il regno della finzione quasi
come uno scudo per esporre il loro sé disinibito con meno timore di
essere artisticamente giudicate.
Nel
loro terzo disco insieme, il primo dopo ben cinque anni, trovi, dunque,
canzoni che restano in superficie e che ben si adattano all'immagine
spregiudicata che le tre vogliono dare di sé stesse: brani come Stop Drop and Roll One, Sugar Daddy e il primo singolo estratto dall'album, Got My Name Changed Back,
non sono da prendere troppo sul serio, per quanto possano essere
divertenti per l'ascoltatore. È meno arte, è più intrattenimento creato
con gran classe attraverso l'escapismo, perfette per sfottere quegli
uomini di cui le tre, nella messinscena, fanno man bassa attraverso il
loro irresistibile fascino.
Ma dietro l'eleganza femminile del sud e la frivolezza indisciplinata che attraversa il personaggio Pistol Annies, Interstate Gospel
è forse il lavoro più impegnativo del trio, sorprendentemente più
rivelatore e personale di quanto forse siano i loro sforzi solisti. Se
la disinibita facciata delle tre si scontra con le soffocanti usanze del
Sud e l'ipocrisia delle piccole città spesso protagoniste delle
canzoni, la maggior parte dei testi sono in realtà acuti e profondi, e
sono efficacissimi nel mettere alla berlina costumi sociali radicati e
antiquati.
E'
soprattutto Miranda Lambert a dare profondità a questo nuovo disco ed è
la sua turbolenta vita sentimentale a far da sfondo a Interstate Gospel, a creare, cioè, una base seducente e irresistibile per molte delle canzoni. Così, quando ascolti When I Was His Wife, o Masterpiece, o l'introspettiva Milkman,
è evidente che Miranda stia parlando di se stessa e della propria vita
amorosa. Lo fa con una narrazione ambigua, posizionando il messaggio tra
le righe: ma con le altre due al suo fianco, che le danno forza e
coraggio, e la copertura del suo alter ego, trova l'onesta per
raccontarsi liberamente e mettersi a nudo.
Si comportano egregiamente però anche Ashley Monroe e Angaleena Presley: Best Years of My Life e Leavers Lullaby sono due tra le migliori canzoni che la Monroe ha pubblicato nella sua carriera, e Commissary di Angaleena Presley è un pezzo cupo, psichedelico, di grande impatto emotivo.
Instertate Gospel
è, in definitiva, un disco suonato benissimo, e conoscendo la caratura
artistica delle tre non c'erano dubbi, e possiede una cifra estetica che
sta a metà tra il mainstream e il roots, senza disdegnare però alcune
incursioni elettriche che irrorano di grinta la scaletta (lo swamp di Sugar Daddy). Un disco vario, anche musicalmente, dunque, che tiene in vita il personaggio Pistol Annies con brani di facile presa come I Got My Name Changed Back, e suggerisce nel contempo una strada diversa con canzoni intense, profonde, emozionanti, come la splendida Cheyenne, autentico gioiello del lotto, di cui ancora una volta bisogna ringraziare il songwriting sofferto di Miranda Lambert.
Tre
donne, tre anime a confronto, una sorta di sorellanza in musica: tra
divertissement e storie di vita vissuta, le Pistol Annies raccontano il
pubblico e il privato attraverso una prospettiva tutta al femminile che
sa essere sincera e comunicativa come la musica country che maneggiano
con classe infinita. Realtà o finzione, poco importa: Interstate Gospel resta a prescindere un grande disco.
Da
quattro individualità, con trascorsi musicali ben distinti ma anche
storie che si sovrappongono, un nuovo capitolo inizia con Piroshka e
l’intenso album di debutto Brickbat. I quattro membri della
band sono l’ex cantante e chitarrista dei Lush, Miki Berenyi, l’ex
chitarrista dei Moose, KJ “Moose” McKillop, il bassista dei Modern
English, Mick Conroy, e l’ex batterista degli Elastica, Justin Welch.
Da pochi giorni è disponibile la prima traccia estratta dall’album “Everlastingly Yours”.
Pensate a Brickbat come a un lupo travestito da pecora, il che calza perfettamente col nome Piroshka, la versione ungherese di Cappuccetto Rosso.
Le
relazioni tra i membri del gruppo sono un albero genealogico piuttosto
intricato. Prima di convivere e farsi una famiglia, Miki e Moose erano
figura di primaria importanza della scena shoegaze, mentre gli Elastica
gravitavano nel britpop. Dopo che i pionieri del post-punk Modern
English si sciolsero per la seconda volta, Mick entrò nei Moose mentre
Justin si unì ai neoriformati Lush nel 2015. E quando i Lush ebbero
bisogno di un bassista per quello che poi fu il loro ultimo concerto (a
Manchester) nel novembre del 2016, arrivò Mick.
Furono
le prove per quel concerto di Manchester a gettare le basi per i
Piroshka. “Suonavamo alla grande!” dice Justin. “Come una vera punk
band. Mick porta una grande quantità di entusiasmo e anima le prove, e
così ho pensato: questo è il tipo di band in cui voglio stare.” Anche
Mick è d’accordo. “Ho visto i Lush moltissime volte, era come suonare
con dei vecchi amici. Anche Miki si divertiva un sacco. E con Moose
disponibile, abbiamo pensato: proviamoci, vediamo cosa succede!”
Benché Brickbat
inizi con uno stridore di feedback, l’album è ben lungi dall’essere
punk, intriso tanto di sublime delicatezza quanto di forza fisica, con
le chitarre in primo piano ma anche infiorescenze elettroniche ovunque.
Combinate, esse guidano le bombe melodiche tipiche del songwriting di
Miki. Ma non era scontato che lei si unisse alla band. In seguito
all’inaspettato suicidio di Chris Acland, batterista dei Lush, nel 1997,
i compagni della band rimasero scioccati e non se la sentivano di
continuare. Miki, in particolare, dovette “allontanarsi completamente
dalla musica. Il cancello per me si chiuse”.
I
testi forti e diretti sono lontani anni luce dai Lush, e attingono
all’attuale paura e avversione che si trovano nel cuore della società e
della politica, a volte viste attraverso il prisma ansioso della
genitorialità, brutalmente onesti.
Simon
Raymonde di Bella Union è stato uno dei primi ad ascoltare i demo e ha
immediatamente proposto un contratto alla band, intrecciando
ulteriormente l’albero genealogico dei Piroshka – il suo ex compagno di
band Robin Guthrie (dei Cocteau Twins) produsse l’album di debutto dei
Lush, mentre uno dei compagni della sua attuale band, Richie Thomas (nei
Lost Horizons) è un ex membro dei Moose.
Dall’intro di feedback al meraviglioso sogno di “She’s Unreal”, che chiude il disco, Brickbat è una prova di incredibile talento.
