Ally
Venable ha solo diciannove anni. La cosa già sorprenderebbe, se questo
fosse il primo album della chitarrista e cantante texana. In realtà,
Ally è arrivata al suo terzo disco in studio, il primo dei quali
pubblicato quando aveva poco più che sedici anni. Un talento precoce,
dunque, maturato fin da bambina, quando ha iniziato a cantare nel coro
della chiesa vicino a casa, e poi, esploso, quando, a soli dodici anni,
ha imbracciato per la prima volta la chitarra elettrica, senza più
mollarla.
Da
quel momento in avanti, la bacheca della giovanissima Venable si è
riempita di premi: ha vinto per due volte l’East Texas Music Award come
chitarrista dell’anno e tre volte ha portato a casa lo stesso premio per
la Blues Band dell’anno e per l’album dell’anno.
E’ stato, però, il secondo disco, Puppet Show,
finito al settimo posto di Billboard Blues Chart, ad attirare
l’attenzione di Thomas Ruf, patron della Ruf Records, che ha preso Ally
sotto la propria ala protettrice e l’ha affidata alle sapienti mani di
Mike Zito (Samantha Fish, Katarina Pejak, etc.), che ha prodotto questo Texas Honey.
Affiancata da due vecchie volpi come Bobby Wallace al basso e Elijah
Owings alla batteria, con cui crea un power trio affiatato e
cazzutissimo, la Venable dimostra di essere tutt’altro che una musicista
alle prime armi, sfoderando uno stile già ben definito e un discreto
songwriting votato a un rock blues potente e senza troppi fronzoli, che
spesso e volentieri evoca i suoni della terra natia.
La
voce di Ally, vista la giovane età, è un po' acerba, manca di
profondità e di sfumature, e forse sarebbe adatta più al pop che al rock
e al blues; tuttavia, il contrasto tra il timbro vocale esile e una
chitarra distorta e arroventata, che forgia riff perentori (Broken, White Flag), sferra rumorosissimi colpi sotto la cintola (Come And Take It, con Eric Gales ospite alla sei corde e alla voce) e galoppa selvaggia nei territori di un primitivo rock’n’roll (Love Struck Baby), produce un effetto straniante e di inaspettata efficacia.
Un
disco gagliardo e convincente, dunque, che rende Ally Venable una delle
più promettenti figure nell’ambito del rock blues americano in quota
rosa (movimento spesso alimentato proprio dalle intuizioni della Ruf
Records). Se sarete in grado di perdonare a questa ragazzina una delle
più brutte copertine di tutti i tempi, avrete modo di divertirvi.
Garantito.
Gli Interpol annunciano il nuovo EP
A Fine Mess, che sarà pubblicato il
17 maggio su
Matador Records. L’annuncio è accompagnato dal nuovo brano “The Weekend”.
Registrati nel nord dello stato di New York con il produttore Dave Fridmann, i cinque brani che compongono
A Fine Mess si distinguono da quelli di
Marauder
anche per le tematiche. Alla produzione della title track “Fine Mess”,
inserita nella playlist di BBC 6 Music, si sono aggiunti Kaines &
Tom A.D. mentre il mixaggio è stato affidato a
Claudius Mittendorfer, che aveva già lavorato con gli Interpol su
Our Love To Admire.
Il risultato è una cartolina che la band manda ai fan, mentre suona in
giro per il mondo. Frutto dell’energia viscerale e contagiosa del set
che accompagna l’ultimo album.
Proprio come suggerisce il titolo, l’idea della copertina di A Fine Mess
è nata da una serie di immagini recuperate in una stazione di polizia
abbandonata di Detroit, nel Michigan. Tra
le macerie di un fatiscente deposito di prove c’era un rullino non
sviluppato, datato 20 gennaio 1996, che conteneva delle fotografie di
una stanza in disordine.
Dal ritornello ammaliante della title track alla profonda “No Big Deal”,
dalla catarsi di “Real Life”, che è una delle preferite dal pubblico,
passando per l’inno “The Weekend” e le varie sfumature di “Thrones”,
A Fine Mess accoglie l’ascoltatore nell’universo degli
Interpol.
Dopo le recenti performance al Madison Square Garden, all’Hollywood
Bowl, alla Sydney Opera House e le due serate alla Royal Albert Hall,
gli
Interpol
continuano il loro tour mondiale con esibizioni a festival come
Glastonbury, Primavera, All Points East con i The Strokes, Best Kept
Secret, e una serie di date da headliner in
America, nel Regno Unito e in Europa, altre verranno aggiunte
successivamente. Trovi sotto tutte le date già annunciate.
Tutti
coloro che amano il folk di nobile retaggio o che sono cresciuti coi
dischi di quel cantautorato femminile che ha scritto pagine
importantissime tra la fine degli anni ’60 e la prima metà dei
seventies, dovrebbe fare un monumento a Lucy Rose. La singer songwriter
inglese, giunta al quarto lavoro in studio, non solo, infatti, rilascia
il suo disco migliore, ma ribadisce nuovamente di potersi inserire con
naturalezza e merito nella scia tracciata da quelle (grandi) musiciste
che hanno scritto le pagine più significative del genere (Joni Mitchell
su tutte, ma un pensiero va anche a Carole King e, in qualche modo, a
Laura Nyro).
No Words Left
è un disco dal sapore antico, che guarda a quei gloriosi giorni con
rinnovata consapevolezza; ma è anche, e soprattutto, il disco concepito
da chi, quel suono, è in grado di rielaborarlo senza timore
reverenziale, ma con idee, intuizioni e un gusto personalissimo, figlie
di un’indiscutibile tecnica, di un songwriting senza sbavature e di una
voce capace di toccare le corde del cuore.
Una
scaletta breve (undici brani per 35 minuti di musica), omogenea e
coerente nell’andamento, senza tuttavia essere mai noiosa o ripetitiva,
attraversata da un intimismo traslucido e carico di suggestioni, in cui
un folk ossuto, e al contempo incredibilmente avvolgente, viene
incastonato in un suono semplice ed efficace, giocato su arrangiamenti
mirati, che utilizzano pochi elementi per riempire grandi spazi.
Un
arpeggio di chitarra, un’armonia che levita leggera dai tasti del
pianoforte, qualche impercettibile percussione, le carezze al velluto
degli archi, un riverbero elettrico, poche note di sax e, ad amalgamare
il tutto, la voce eterea della Rose, caratterizzata da un timbro
dolcemente malinconico, da una cangiante espressività e da un vibrato
che manda al tappeto.
No Words Left
è un piccolo fiume che scorre sinuoso e apparentemente tranquillo,
anche se poi a ogni singola ansa si scopre un’emozione capace di far
tremare i polsi delle vene: la melodia malinconica di Conversation, che si scioglie nell’abbraccio discreto degli archi, il tocco lieve, quasi jazzy, del pianoforte di Solo(w),
le cui progressioni armoniche evocano Laura Nyro ed evaporano in poche
note di sax, o il candore odoroso di primavera della deliziosa What does It Takes
sono solo alcuni degli high lights di un disco privo di momenti di
immediatezza e di possibili hit, e quindi, nonostante il nitore
compositivo e la seducente bellezza, destinato a rimanere patrimonio di
pochi fortunati ascoltatori.
Splendide armonie, arrangiamenti
sorprendenti e testi evocativi contraddistinguono la nuova band BAILEN, trio
con base a New York e composto dai fratelli gemelli Daniel (voce / basso /
synth / chitarra) e David (voce / batteria) e la sorella minore Julia Bailen
(voce / chitarra). Annunciano la pubblicazione del loro album di debutto Thrilled To Be Here,
prodotto dal vincitore del GRAMMY John Congleton (St. Vincent, The War on
Drugs), il 26 aprile 2019 tramite Fantasy Records via Caroline International.
Seducenti armonie in tre parti alimentano il primo singolo dell'album "I
Was Wrong", una dichiarazione di compassione e auto-riflessione. "La
canzone parla di stare insieme e ascoltare l'altro lato in una discussione,
ascoltare un'altra prospettiva e poter dire che avevo torto. È stato ispirato
dal crescente divario globale nell'ideologia e da una riluttanza generale ad
ascoltare qualcuno con opinioni divergenti. A volte la cosa più difficile da
fare è ammettere i propri difetti, ma spesso è l'unico modo per andare avanti
".
La musicalità ultraterrena di BAILEN nasce nel loro DNA. Cresciuti a New York
dai genitori di formazione classica, Daniel, David e Julia si sono immersi
nella variegata collezione di dischi della famiglia. Le canzoni altamente
collaborative del gruppo sono formate da tre individui molto diversi che sono
stati tutti ispirati dalla letteratura e dall'amore per il linguaggio.
Il conseguente meticoloso e cangiante lavoro artistico di “Thrilled To Be Here”
è radicato nella destrezza soprannaturale e nell'intuizione lirica del giovane
gruppo.
Orientati ai dettagli e precisi, i membri di BAILEN hanno trovato il perfetto
contrappunto nell'approccio più aperto del produttore Congleton: "Pensiamo
in piccolo e John è stato davvero bravo a pensare in grande per il disco",
osserva Julia. "I primi dischi sono speciali perché hai passato tutta la
vita a scriverli. Registrando il nostro album in un mese nello stesso studio
con un produttore abbiamo mantenuto la creatività, ma abbiamo anche trovato la
coesione."
I BAILEN sono emersi sulla scena coltivando un seguito appassionato attraverso
i loro live, con oltre 300 spettacoli fino ad oggi, e facendo tour e
collaborazioni con artisti come Amos Lee, The Lone Bellow, Joseph, Oh Wonder e
altri. La band ha anche annunciato un tour americano da Febbraio ad Aprile al
momento.
Finalmente,
al quarto tentativo, Mary Bragg sforna quel capolavoro che i lavori
precedenti già facevano presagire. Fin dal titolo originalissimo,
Violets As Camouflage è un disco sincero e sfacciato, in cui la Bragg
sfoggia una padronanza compositiva da fuoriclasse, gioca sui contrasti,
alternando intensità emotiva e vulnerabilità, ricamo acustico e
distorsione elettrica, malinconia autunnale e barbagli di sole
primaverile.
La
storia di Mary Bragg è la storia di un’artista inquieta, di una donna
che ha girato gli States in lungo e in largo per trovare, finalmente, a
Nashville, una casa dove stabilizzare la propria creatività. Nata a
Swainsboro (Georgia), nel profondo Sud degli Stati Uniti, Mary è
cresciuta in una famiglia numerosa (quattro fratelli e ventun cugini,
riportano le cronache), trovando poco spazio per dare voce alle proprie
velleità musicali. Un viaggio a New York, le ha cambiato la vita e le
prospettive, tanto che, finito il liceo, la giovane Bragg si è
trasferita a vivere nella Grande Mela, per fare un’esperienza di vita,
quella che poi confluirà nei testi delle canzoni di Lucky Strike (il suo
terzo full lenght), e per tentare di sfondare nel mondo della musica,
favorita dal rutilante panorama di una metropoli dalle mille
possibilità.
New York, però, logora, soprattutto chi arriva dalla provincia: così Mary, dopo aver registrato un disco a Manatthan (Tatoos & Bruises del 2011) ed aver tentato l’avventura californiana con The Edge Of This Town
(2015), è approdata a Nashville, città meno caotica ma comunque fervida
di suggestioni musicali. Qui, dove risiede dal 2014, è entrata subito
in sintonia con la comunità roots, conquistandosi la stima di molti
musicisti locali, che hanno dato poi un contributo decisivo alla stesura
delle canzoni che hanno composto l’acclamato Lucky Strike.
L’approccio
di Mary a quel lavoro fu, a dir poco, minimal. Scelse un budget ridotto
e uno studio di registrazione di basso profilo, con impianti e
microfoni vecchi, per rendere più vero il suono, privandolo così di ogni
inutile artificio. Si fece affiancare alla consolle da Jim Reilly
(membro fondatore dei New Dylans) e scelse la strada, per quanto
possibile, della presa diretta, registrando senza filtri ed evitando
invasivi rimaneggiamenti in fase di post produzione. Violets As Camouflage
si muove più o meno negli stessi territori, ma con una consapevolezza
diversa, un tocco più maturo, con arrangiamenti meno francescani, ma
egualmente calibrati. Americana, con qualche incursione nel country (il
violino di A Little Less), e un filotto di ballate, talvolta
solo acustiche, nella seconda parte del disco più elettriche, che
declinano con ispirazione un linguaggio conosciuto, ma in questo caso
ricco di sfumature e di debordante intensità.Se l’abito indossato da
queste canzoni è il più classico dei classici, da parte sua la Bragg
mette una voce incredibilmente duttile e ispirata, cesellando melodie
che, in più di un caso, lasciano a bocca aperta.
Il disincanto malinconico di I Thought You Were Somebody Else (“Ho preso in giro me stessa. Scusa, pensavo fossi qualcun altro”) apre il disco su note di pedal steel, languide come lacrime sul velluto. La melodia in punta di plettro di Fixed
pizzica le corde del cuore e sollecita al ragionamento, innescando una
riflessione sull’idea distorta che i giovani talvolta hanno di loro
stessi e della propria bellezza a causa dei social.
Fool è una ballata elettroacustica che passa vicino a Lucinda Williams e manda al tappeto con un ritornello di sofferta intensità, Runaway Town è il brano più rock del lotto, vola dritto e diretto su un drive di chitarra schietto e senza fronzoli, mentre The Right Track intreccia acustica e pedal steel in un ordito melodico candido come la neve.
Poi, arriva il momento di The Highest Tower,
e la caratura artistica di Mary Bragg si manifesta in tutto il suo
abbagliante splendore: chitarra acustica, riverberi elettrici e
un’interpretazione vocale che commuove alle lacrime, per intensità,
inaspettati cambi di registro e tecnica. Fare una canzone immensa con
quasi nulla, non è da tutti. Mary Bragg ci riesce, sigillando un disco
di americana fra i migliori ascoltati negli ultimi anni. Bellissimo.
