SLAYER - REPENTLESS KILLOGY (Nuclear Blast, 2019)

The Repentless Killogy è un’uscita tanto ovvia quanto, lo scrivo da fan della prima ora, auspicata. Non è un mistero, almeno per chi si interessa al genere, che la band capitanata da Tom Araya ha dato l’addio alle scene. E lo ha fatto alla grande: con un film (che porta il nome del live), uscito il 6 novembre nelle sale cinematografiche di tutto il mondo (a eccezione che in Italia) e un lunghissimo tour d’addio (che ha toccato anche il nostro paese, con una data nel 2018, che il sottoscritto ha avuto la fortuna di vedere, e una nel 2019), conclusosi il 30 novembre di quest’anno proprio al Forum di Inglewood (il presente live, però, si riferisce a un’esibizione del 2017).

Il film, contenente tre video relativi a You Against You, Repentless e Pride In Prejudice (tratti dall’ultima fatica in studio della band) e l’intero concerto di cui stiamo scrivendo, è ora disponibile in dvd e blu-ray anche da noi, mentre, il solo concerto, è uscito in formato doppio cd, vinile e digitale, già da un paio di mesi.

L’occasione è ghiotta per due ordini di motivi: completare con il capitolo finale la discografia di una delle band più rumorose del mondo, e tornare ad ascoltare gli Slayer dal vivo su supporto, visto e considerato che la band californiana non pubblicava un album dal vivo da quasi trent’anni, e cioè da Decade Of Aggression del 1991. 

Il live, inutile dirlo, è una bomba, e rappresenta al 100% tutto quello che ci si può (e si deve) attendere da un live act degli Slayer: un impatto sonoro devastante, violenza alla stato puro, cattiveria, ferocia belluina e una scaletta dura e pura, che avanza senza pietà, canzone dopo canzone, asfaltando tutto quello che incontra. Nessun momento di pausa che possa dare sollievo ai padiglioni auricolari, nessuna traccia di singalong, ma un brano via l’altro, come una gragnuola di colpi al volto.

In scaletta, brani nuovi (si fa per dire, visto Repentless è del 2015) e grandi classici. Dall’ultimo album in studio, quello che dà anche il titolo al live, vengono suonate la title track, When the Stillness Comes, You Against You e Cast the First Stone, da un lontanissimo passato emergono The Antichrist (da Show No Mercy) e Hell Awaits (da Hell Awaits), ben cinque canzoni provengono da Season Of The Abyss (l’immortale War Ensemble, Hallowed Point, Dead Skin Mask, Born of Fire e Seasons in the Abyss) e non mancano un paio di pezzi da God Hates Us All (la ferocissima Disciple e Bloodline). Nel cattivissimo finale, separate da Chemical Warfare (da Haunting The Chapel, ep datato 1984), vengono suonate, ovviamente, le leggendarie Raining Blood e Angel Of Death, sulle note della quale si chiude una straordinaria carriera durata quasi quarant’anni.  

Ed è un vero peccato, perché se lo stato di forma è quello esibito in questo live, gli Slayer potrebbero tranquillamente continuare a suonare per un altro decennio almeno. A proposito: come sia possibile che la voce assassina di Tom Araya, ormai vicino ai sessant’anni, non abbia perso un briciolo della sua tonitruante potenza, resta un mistero.

VOTO: 7,5 

Blackswan, mercoledì 08/01/2020

THE APARTMENTS - LOOKING FOR ANOTHER TOWN (Microcultures, 2015)

Sono passati diciotto lunghissimi anni prima che Peter Walsh decidesse di emergere dal ritiro quasi ascetico nel quale si era nascosto, diciotto anni per tornare finalmente a rivedere la luce, a respirare musica. 

Quattro dischi, nel corso degli anni ’90, avevano trasformato gli Apartments in una band di culto, amata soprattutto da quei cuori malinconici grati ai languori della penombra.

Come un Burt Bacharach dalle movenze notturne, Peter Walsh declinava un pop dalle trame dense, spesso arrangiate per archi e fiati, e dai testi amari e mai condiscendenti. Poi, quando, nel 1997, esce Apart, per Walsh tutto cambia, la vita si impone prepotentemente sulla musica e il mood malinconico delle canzoni viene spazzato via dall’urlo senza requie della tragedia: la malattia del figlio, il calvario, il lutto. Gli Apartments svaniscono, Walsh si richiude in se stesso, per cercare una cura alle proprie ferite interiori.

Ci vuole tempo perché l’arte riesca a metabolizzare il dolore della perdita, a lenire un destino che non dà scampo alla speranza. Ci sono voluti esattamente diciotto anni per riuscire a scrivere otto canzoni che chiudessero in conti con il passato. Otto canzoni che non sono plumbee e contrite come ci sarebbe potuto aspettare, ma che nemmeno celebrano con enfasi una rinascita.

No Song, No Spell, No Madrigal ha invece il passo di un uomo che torna a camminare sulle proprie gambe, ad attraversare quei boulevard parigini che erano i luoghi di una giovinezza ormai lontana. C’è grazia, e misura, e una nota sottostante di nostalgia, che nasce da un incanto perduto, da una passione non obliata, ma solo stemperata dall’età adulta. La tensione non è mai invasiva, nè viene imprigionata dallo struggimento. C’è semmai uno sguardo che si scioglie in un sorriso triste, quello sguardo affettuoso e consapevole con cui la maturità si guarda dietro le spalle, ricordando i giorni andati, con pacatezza.

Non ci sono lacrime in No Song, No Spell, No Madrigal, ma un’eleganza espressiva che rende sostanziale la perfezione della forma, con la consapevolezza che per raccontare il dolore, bisogna soprattutto saperlo scrivere con misura.

Looking For Another Town è la seconda traccia di una scaletta impeccabile, una pop song da camera in cui è evidente la consanguineità coi Blue Nile di Paul Buchanan. Una nuova città come meta del cambiamento interiore, raccontato dalla voce da crooner di Walsh, la melodia elegantissima e uno struggimento nostalgico sottotraccia, portato alla luce da alcune note di violoncello e avvolto di pathos da un suono di tromba in crescendo che surriscalda la seconda parte del brano. Ascoltata in una mattinata invernale, mentre con passo meditabondo si attraversa una gelida coltre di nebbia, Looking For Another Town produce un effetto “groppo in gola” definitivo.

Blackswan, martedì 07/01/2020

SLASH feat. MYLES KENNEDY & THE CONSPIRATORS - LIVING THE DREAM TOUR (Universal, 2019)

Living The Dream (2018), quarto album in studio del chitarrista inglese e terzo al fianco dell’ormai fidato Myles Kennedy, non aveva destato grandi sorprese. Non un brutto disco, per carità, ma semplicemente la reiterazione di una formula ormai consolidata: hard rock che nasce per filiazione dall’esperienza con i Guns (quello è più o meno il suono, quello è lo stile), con la straordinaria chitarra di Slash a tessere le fila di dodici canzoni ad alto contenuto energetico.

Lo stesso, identico mood, ovviamente, lo troverete in questo nuovo live, il quarto della carriera solista di Slash (lo precedono Live In Manchester del 2010, Made In Stoke del 2011 e Live At The Roxy del 2015), registrato all’Hammersmith Apollo di Londra il 20 febbraio di quest’anno, durante una delle tappe del tour di promozione dell’album.

La differenza sta nel fatto che queste canzoni, riproposte dal vivo, suonano decisamente meglio della loro versione in studio. La potenza di tiro, il succedersi incalzante dei brani in scaletta e una band super rodata (oltre a Slash e a Myles Kennedy anche Todd Kernes al basso, Brent Fitz alla batteria e Framk Sidoris alla chitarra ritmica) fanno di Living The Dream Tour l’ennesima performance incendiaria che farà la gioia dei tantissimi fan sparsi in tutto il mondo.

In scaletta, questa volta, c’è però una sola canzone dei Guns N’ Roses (Nightrain), scelta che ha senso (e che apprezziamo) per due ordini di motivi: in primo luogo, Living The Dream Tour finisce così per differenziarsi da tutti i precedenti live solisti, in cui le canzoni dei Guns abbondavano, evitando in questo modo di replicare una formula che cominciava a essere un po’ stantia. In secondo luogo, Slash ha ormai a disposizione un songbook nutritissimo (una sessantina di canzoni in quattro dischi) da cui pescare senza bisogno di riempitivi. Se si considera, poi, che sono passati quasi dieci anni dal fortunato esordio solista, le canzoni tratte da quel disco vengono percepite ormai dal pubblico come veri e propri classici alla stregua dei successi dei Guns, rappresentando quindi i momenti più intensi e più partecipi del live act.

Fatta questa premessa, lo show è veramente di livello, prevedibile forse, ma intenso, tirato ed emozionante. Slash è ovviamente il protagonista assoluto della serata, e regala al pubblico assoli incandescenti e vere e proprie maratone alla sei corde come nelle torrenziali Wicked Stone (puro orgasmo per i cultori della chitarra elettrica) e World On Fire (quasi diciotto minuti, in cui gli assoli di Slash accompagnano la presentazione della band e un vibrante call and response fra Kennedy e il pubblico).  

Da segnalare, tra le gemme della serata, il momento in cui Todd Kerns sostituisce Kennedy alla voce per We’re All Gonna Die e un’arrembante Doctor Alibi, omaggio al compianto Lemmy, che la interpretava nel disco d’esordio, la sempre bellissima Nightrain (tra l’altro, presente in tutti i live pubblicati da Slash), e una versione strepitosa di You’re a Lie, con un lavoro di Slash alla chitarra che lascia senza fiato.

L’elegante confezione contiene, oltre a due cd, anche il dvd (notevolissimo) col video dell’esibizione e un booklet con un pugno di splendide foto. Il tutto, per una ventina di euro. Ne vale la pena.

VOTO: 7

Blackswan, domenica, 05/10/2020

LES MCCANN - PUMP IT UP (EFA, 2002)

Ottantaquattro anni, originario di Lexington (Kentucky), Les McCann ha alle spalle una storia importante in ambito black music. Pianista e cantante, ondivago fra jazz, soul e funky, Mc Cann ha iniziato a suonare con un suo trio nei primi anni ’60, firmando per la Pacific Jazz e pubblicando Les McCann Ltd. Plays The Truth (1960), il primo album di una discografia che tra dischi in studio e dal vivo vanta più di cinquanta titoli (il più celebre è Sweet Movement, live pubblicato nel 1969 con il sassofonista Eddie Harris e il trombettista Benny Bailey, che è valso al pianista una nomination ai Grammy Award e una hit, la celebre Compared To What, che vanta più di 270 reinterpretazioni).

L’importanza artistica di McCann, poi, è indiscutibile, sia per aver dato respiro alla contaminazione del jazz, genere spesso proposto in suggestiva alchimia con soul, funky e world music, sia per essere stato tra i primi a utilizzare nelle proprie composizioni ed esecuzioni il piano elettrico, il clavinet e i synth.

Pump It Up esce nel 2002 ed è primo disco di McCann dopo un periodo di inattività dovuto a un ictus che lo ha colpito a metà degli anni ’90. Un ritorno sulle scene che solo i grandi possono permettersi: un disco di funk, che più funk non si può, basso, batteria, chitarra e organo Hammond B-3 a forgiare irresistibili groove insieme a un gruppo di musicisti da urlo.

Basta leggere il seguente elenco per rendersi conto quale sia il livello tecnico che esalta le undici tracce in scaletta: Les McCann alla voce, Ricky Peterson all’Hammond, John Robinson alla batteria, Paul Jackson Jr. alla chitarra ritmica, Abraham Laboriel al basso. E ancora: Marcus Miller al basso, Maceo Parker e Bill Evans al sassofono, Billy Preston alle tastiere, Bonnie Raitt e Dianne Reeves alla voce, Paulinho da Costa alle percussioni, solo per citare alcuni degli ospiti più prestigiosi.

Batteria martellante, linee di basso potenti, tappeti d’organo, scintillanti assoli di sax e la voce di McCann, caldissima, in bilico fra canto e recitazione rap per undici canzoni, tutte bellissime e magistralmente eseguite.

Meritano una citazione a parte You Just Can’t Smile it Away, cover del successo di Billy Whiters, con un duetto da brivido tra McCann e la diva del jazz, Dianne Reeves, il tocco vellutato di Billy Preston in Tryin’ to Make it Real, e la voce bluesy di Bonnie Raitt a impreziosire The Truth.

In definitiva Pump It Up è un disco deliziosamente avvincente, che si ascolta e riascolta tutto d’un fiato. A tratti, e questa è l’unica pecca, la perfezione dell’esecuzione sembra avere la meglio sul cuore e sul pathos; ma il disco è suonato talmente bene, che si resta a bocca aperta dalla prima all’ultima traccia, dimenticandosi di tutto il resto.

Blackswan, venerdì 03/01/2020

BYWATER CALL - BYWATER CALL (Gypsy Soul Records, 2019)

Arrivano dalla fredda Toronto, Canada, una città in cui, in questo periodo, si registrano temperature che scendono sotto lo zero anche di venti gradi. A dispetto del gelo invernale, però, la musica proposta dai Bywater Call è un concentrato bollentissimo di southern soul, traditional blues, funky e rock, in grado di scaldare anche i cuori più algidi.

Formatisi nel 2017 e composti dalla cantante Meghan Parnell e dal chitarrista Dave Barnes (membri fondatori), a cui si sono aggiunti, poi, Bruce McCarthy alla batteria, Mike Meusel al basso, Alan Zemaitis alle tastiere, Stephen Dyte alla tromba e Julian Nalli al sax tenore, i Bywater Call hanno pubblicato da poco questo disco d’esordio, che ha avuto ottimi riscontri di vendita anche in Europa, dove, fin da subito, in Belgio e Olanda è volato nella zona alta delle classifiche di genere, ed è valso al gruppo una nomination come Best New Artist ai Maple Blues Award.

Un successo strameritato, visto che questo debutto, una miscela ribollente che s’ispira a Duane Allman, Aretha Franklin, Delany & Bonnie, Elmore James, Otis Redding, Tina e Ike Turner e molti altri, è suonato meravigliosamente bene da una band affiatatissima, capace di appassionati slanci strumentali da jam band che assecondano la voce grintosa, potente e ricca di sfumature di Meghan Parnell.

Un disco molto classico, che alterna momenti incandescenti a ballate intense, il tutto esaltato da un suono scintillante che mette in luce le grandi doti tecniche del combo. Arizona apre il disco palesando tutte le doti dei Bywater Call: la sapienza di amalgamare black music e rock, il tiro potentissimo della sezione ritmica, la punteggiatura vibrante dei fiati, l’amalgama corposa di chitarra e tastiere, la voce graffiante della Parnell. Un’apripista scintillante, a cui seguono in filotto di canzoni tutte di livello, a partire dai r’n’b galoppanti di Forgive e Talking Backwards, entrambe tirate e sanguigne, acceleratore pigiato a tavoletta e irrefrenabile voglia di divertimento.

Tra funky scalcianti, ma ben centrati nell’impianto melodico (Over And Over) e mid tempo soul (Silver Lining), in cui alla vellutata esecuzione fa da contrasto la voce graffiante ed espressiva della Parnell, spuntano anche un paio di ballate da capogiro: la dolcezza trasognata di Bring Me Down, con una performance vocale da brividi, e gli echi roots della conclusiva Swing Low, che lentamente si gonfia in un finale ricco di soul, grazie allo straordinario intreccio melodico fra pianoforte e fiati, e alla voce intensa della Parnell, che dispensa brividi senza soluzione di continuità.

Per il 2020, la band ha in previsione un lungo tour europeo che, purtroppo, come spesso accade, non toccherà l’Italia. Però, segnatevi le date dal loro sito: se siete in giro per Spagna, Germania, Francia o Svizzera, non perderei l’occasione per vederli suonare dal vivo. Visto questo ottimo esordio, e la rilevanza tecnica del gruppo, i concerti si preannunciano palpitanti.

VOTO: 7,5

Blackswan, giovedì 02/01/2020