UNBELIEVABLE TRUTH - ALMOST HERE (Virgin, 1998)

E' durata un lampo la carriera degli Unbelievable Truth: solo tre anni di attività, dal 1997 al 2000, e due dischi in studio all'attivo.

Formatasi a Oxford nel 1993, la band capitanata da Andy, fratello minore di Thom Yorke (leader dei Radiohead), e composta anche dal polistrumentista e produttore Nigel Powell (The Sad Song Co., Frank Turner, Dive Dive, etc) e dal bassista Jason Moulster, prese il nome dall’omonimo film del 1989 diretto da Hal Hartley. Nemmeno il tempo di programmare il futuro e di mettere insieme un pugno di canzoni, che Andy Yorke saluta tutti e si trasferisce in Russia. Rientra in Inghilterra nel 1996, e da questo momento in avanti la breve storia degli Unbelievable Truth ha inizio.

Nel 1997 viene dato alle stampe il primo singolo, Building, via Shifty Records, un’etichetta locale, e l’anno successivo esce l’esordio della band, Almost Here, questa volta pubblicato da una major come la Virgin.

Un disco di canzoni fragili, cesellate nella porcellana diafana di un pop acustico, empatico e tendenzialmente depresso. Piccoli gioielli di semplicità e mestizia, geneticamente predisposte all’accordo in minore, avvolte in un tessuto sonoro scarno, dimesso ma non trasandato, in cui prevale l’utilizzo delle chitarre acustiche, talvolta appena sfiorate da echi quasi country, più spesso immerse in quelle calde acque malinconiche che segnano molta della musica britannica del periodo. D’altra parte, i geni non mentono: come per Thom, anche per Andy la malinconia era fonte d'ispirazione, sostanza e cifra stilistica.

Almost Here è una sorta di guida all’understatement del dolore, sempre sussurrato e mai gridato, declinato in atmosfere morbide che evocano il groppo in gola. Piccole canzoni, melodicamente inappuntabili e con un’anima grande così. Manca a Andy Yorke il genio del fratello, lo slancio sperimentale, l’intuizione melodica che strattona; eppure, questi undici brani riescono a conquistare più di un ascolto, magari in cuffia e nel buio della cameretta, dove Andy, mutate mutandis e con gli aggiornamenti sonori assorbiti dalla modernità del brit pop del momento, sembra quasi vestire gli abiti di un novello Nick Drake.

Be Ready, Solved, Building e Angel sono piccoli gioielli intagliati con cura artigianale, mentre la più movimentata e “rock” Higher Than Reason, è il singolo che traina i quarantadue minuti dell’album fino al ventunesimo posto delle charts inglesi.

Il successivo album, pubblicato nel 2000, sarà anche l’ultimo (l’anno successivo uscirà postumo Misc. Music, raccolta di B sides e di inediti). Leggermente più denso negli arrangiamenti, ma figlio dello stesso mood triste e crepuscolare, il disco chiuderà per sempre l’avventura degli Unbelievable Truth. SorryThankyou, si intitola: perdonateci e grazie di tutto. Una fine improvvisa ma non imprevedibile: l’ego di Andy, delicato singsongwriter dalla garbata introspezione, viene schiacciato irrimediabilmente dal paragone col fratello Thom, che negli stessi anni, coi suoi Radiohead, dà alle stampe due capolavori epocali: Ok Computer (1997) e Kid A (2000), che segneranno inesorabilmente la storia del pop britannico e non solo. Un peso troppo gravoso da portare sulle spalle di un’anima fragile. Peccato.

Blackswan, domenica 14/06/2020

PUSS N BOOTS - SISTER (Blue Note Records, 2020)

A sei di distanza No Fools, No Fun, le Puss N Boots, trio newyorkese tutto al femminile capitanato da Norah Jones (le altre due sono Sasha Dobson, cantante jazz californiana, qui alle prese con la batteria, e Catherine Popper, bassista che ha lavorato con Ryan Adams & The Cardinals, Grace Potter, Jesse Malin, etc.) tornano con un nuovo full lenght intitolato Sister (nel 2019 avevano però pubblicato un Ep).

Nonostante ognuna delle tre ragazze abbia un’intensa carriera solista e, nello specifico, a parte la Popper, si cimenti al di fuori del consueto ambito di competenza (la Jones è soprattutto una pianista e qui, invece, suona chitarra elettrica e, in un caso, la batteria), questo progetto, alla resa dei conti, risulta ben lontano da un evento estemporaneo. Anzi, nonostante la Jones e la Dobson non eccellano nelle parti strumentali, Sister possiede un’incredibile coesione, e l’approccio essenziale, spesso scarno, non toglie respiro alla raffinatezza e alla stratificazione delle armonie. Insomma, siamo di fronte a un lavoro che suona al contempo pensato e spontaneo, un equilibrio, questo, che dona fascinazione alle quattordici canzoni in scaletta (le ultime due, Joey e The Grass is Blue presenti solo nell’edizione in cd).

Come il suo predecessore, il sophomore mantiene intatta la formula di alternare, a brani originali scritti per l’occasione, cover di canzoni altrui, alcune famose, altre decisamente meno.

Un suono coeso, si diceva, in equilibrio fra elettrico (soprattutto) e acustico, arrangiamenti essenziali dal taglio quasi lo-fi, strumentazione scarna (basso, batteria, chitarra e poco altro), per un filotto di brani che oscilla tra il country (Lucky e The Razor Song, scritte entrambe dalla Popper), l’indie pop (la lenta, quasi narcolettica, The Great Romancer), il rock (la cadenzata Nothing You Can Do, con quel riff di chitarra che sembra rubato dal songbook di Neil Young) e reminiscenze anni ’60 (la title track).

Il meglio, però, le tre “sorelle” lo danno quando reinterpretano brani altrui: la rilettura davvero emozionante di Angel Dream di Tom Petty (da Songs And Music From She’s The One), con un’intensa Norah Jones alla voce, il recupero di It’s a Wonderful Lie da Suicane Gratifaction di Paul Westerberg, sublime melodia pop resa splendidamente in questa versione elettrica con la Popper al canto, e The Grass Is Blue, brano poco noto dell’icona country Dolly Parton, proposta attraverso un’esecuzione da brivido, una ruvida chitarra elettrica ammorbidita dal velluto delle tre voci.  

Una scaletta volta prevalentemente alla ballata, in cui forse manca la canzone (originale) da ko, ma che mantiene un alto livello di suggestione grazie all’affiatamento e l’intesa che lega queste tre artiste. Le quali, a dispetto di un progetto dilatato nel tempo, sembrano suonare insieme da una vita.

VOTO: 7

Blackswan, venerdì 12/06/2020

PREVIEW

I JAPANDROIDS annunciano MASSEY FUCKING HALL, il live album che ripercorre la loro carriera in uscita il 19 giugno in digitale e il 2 ottobre in vinile. Ascolta “Heart Sweats”.

L’album conterrà dodici brani registrati alle Massey Hall di Toronto provenienti dai tre album di studio della band, acclamati da critica e pubblico. Il primo assaggio è “Heart Sweats”.

“Ci è sempre piaciuto suonare questo brano dal vivo,” dice il batterista David Prowse. “Possiede un grande impeto e mi fa sempre andare su di giri. Durante il tour era la seconda o la terza canzone di ogni set. Sembra essere ogni volta il momento, durante il concerto, in cui ho quella sensazioni di ok, sì, adesso abbiamo preso il volo. E voliamo per il resto del set.”

La Massey Hall è una celebre venue di Toronto inaugurata nel 1894. Con una capienza di quasi 3000 persone, il teatro ha ospitato performance storiche di artisti canadesi come Oscar Peterson e The Tragically Hip, e qui sono stati registrati album live epocali come quelli di Neil Young e dei Rush.

“Non avremmo mai pensato di poter suonare alla Massey Hall,” spiega Prowse, “è la venue più leggendaria del Canada ma non sembrava un posto adatto a noi. È un teatro che ha più di cent’anni, coi posti a sedere: non certo il luogo dove ti aspetti di vedere un concerto dei Japanandroids. Onestamente, quando siamo scesi dal palco quella sera, ricordo di aver provato un senso di sollievo ed euforia, ma il tutto sembrava un po’ confuso. È stato uno show molto emozionante per me. Eravamo tutti piuttosto nervosi.”

Blackswan, giovedì 11/06/2020

SUZANNE VEGA - LUKA (A&M, 1987)

Davanti a casa, a Spanish Harlem, quartiere “difficile” di New York, dove la giovane Suzanne si è trasferita coi genitori dalla California, ci sono sempre dei bambini che giocano. Fanno chiasso, come è ovvio che sia, provano lo skateboard, tirano calci a una lattina, si scambiano figurine dei giocatori di baseball. Sono allegri e si divertono un mondo, nonostante tutto intorno sia degrado, povertà e violenza. E’ la spensieratezza dell’infanzia, quell’età inconsapevole alle storture del mondo, popolata da bizzarre fantasie e da piccole esaltanti scoperte.

C’è un bambino, però, che se ne sta in disparte, solitario, gli occhi tristi, appena velati di lacrime. Suzanne lo vede spesso, e si chiede chi sia quel ragazzino che guarda nel vuoto, che talvolta parla tra sé e sé, come fosse avulso dalla realtà circostante, come se quella strada, quegli amici, quelle ore di svago appartenessero a un universo parallelo.

Quel bambino, che ha toccato nel profondo l’animo di Suzanne, che l’ha costretta a riflettere sulla vita e a porsi domande prima del tempo, qualche anno dopo avrà un nome: si chiamerà Luka e sarà il protagonista di una bellissima canzone, una hit da milioni di ascolti che compenserà in eterno l’ingiustizia di quello sguardo triste, di quel dolore nascosto in una feroce solitudine.

“Mi chiamo Luka, vivo al secondo piano, vivo sopra di voi, si, penso che mi abbiate visto prima”. Inizia così uno dei brani di punta di Solitude Standing, secondo disco e clamoroso successo internazionale di Suzanne Vega, una giovane cantautrice folk/pop che si inserisce nella grande tradizione del cantautorato femminile (quella che ha come capostipite Joni Mitchell) a fianco ad altre straordinarie artiste del momento, come Tracy Chapman e Shawn Colvin.

Memore di quel ricordo d’infanzia, la Vega scrive una canzone dolorosissima, che affronta il tema difficile degli abusi sui minori. Una hit che ascoltano tutti e tutti cantano, magari sotto la doccia; una canzone, però, capace di risvegliare le coscienze, di mettere il dito nella piaga e sensibilizzare l’opinione pubblica su un problema troppo spesso taciuto. Una forma nobile d’arte, la canzone popolare che si fa veicolo di denuncia, che costringe a pensare a quei bambini che, come Luka, vivono un incubo, una lenta discesa negli inferi dell’infanzia abusata, che cercano nella solitudine una via di fuga alla paura (E se chiedete ecco cosa dirò / che non è affar vostro comunque / Penso che mi piacerebbe star da solo / Con niente di rotto).

Se con l’omonimo esordio del 1985 il mondo si era accorto di questa delicata songwriter, capace di toccare le corde dell’anima con il suo folk gentile e le sue parole potenti, Solitude Standing definisce per sempre la cifra stilistica della Vega, una delle interpreti più coraggiose e sincere del movimento neo folk, insensibile alle lusinghe del rock business, capace di plasmare con modernità la materia, continuando a mantenere lo sguardo lucido sulla società e sul mondo interiore dei sentimenti.

Una carriera punteggiata da canzoni che evitano la logica frusta del binomio cuore/amore, cliche’ di tanto inutile cantautorato, ma che sanno indagare senza filtri nell’animo umano, suggerendo alle coscienze che, oltre a Luka, nella vita c’è tanto dolore, personale e universale, e che il mondo degli ultimi è, purtroppo, il più popolato.

Blackswan, mercoledì 10/06/2020

VANJA SKY - WOMAN NAMED TROUBLE (Ruf Records, 2020)

L’etichetta tedesca Ruf Records è ormai da ventisei anni sinonimo di qualità. Dalle sue scuderie sono usciti artisti e dichi che hanno fatto la storia più recente del rock blues. Parlo di personaggi sulla cresta dell’onda come Samantha Fish, Ana Popovic, Eric Bibb o Sue Foley, solo per citare i nomi più noti.

Tra le ultime scoperte in ordine di tempo del patron Thomas Ruf c’è Vanja Sky, salita alla ribalta due anni fa con il bellissimo disco d’esordio Bad Penny.  Questa ragazza con la chitarra a tracolla e il cuore votato al verbo rock blues arriva dalla Croazia, nello specifico da Buzet, e ha iniziato a suonare la chitarra solo sette anni fa, dopo aver assistito a un concerto in un locale di musica dal vivo vicino alla sua città natale. Così inizia la storia artistica di Vanja che, dopo quella sera, ordinò una chitarra economica su internet, iniziò a prendere lezioni, e quindi abbandonò il suo lavoro di pasticciera per dedicarsi alla musica.

Circa due anni dopo, Vanja se ne andò di casa per unirsi a una rock band che era di stanza a Zagabria. Concerti in Serbia, Slovenia, Germania e nella sua nativa Croazia le hanno permesso di affinare le abilità sia come cantante che come chitarrista.

Poi, nel 2017, più veloce di quanto avrebbe potuto immaginare, la Sky è già in studio per registrare il suo disco d’esordio con alcuni dei più grandi nomi della scena blues. La sua carriera da professionista inizia, dunque, ai Bessie Blues Studios di Stantonville, nel Tennessee, la “casa” del produttore vincitore del Grammy, Jim Gaines. Lì, ha registrato per primo il frizzante road blues Low Down and Dirty di Luther Allison insieme ai chitarristi Mike Zito e Bernard Allison.

Per Zito, una delle figure più autorevoli del rock blues contemporaneo, è stato amore a primo ascolto: ha prodotto il disco Bad Penny, vi ha suonato la chitarra ritmica, e ha affiancato a Vanja un gruppo di abili sessionisti per registrare altri undici brani.

Quell’esordio era grezzo e potente, si percepivano tutti i limiti di questa giovane ragazza ma anche qualità come l’entusiasmo, la passione e una verace urgenza.

Woman Named Trouble è stato registrato in Germania insieme a un gruppo di ottimi musicisti locali ed è stato prodotto da Roger Inniss, che ha anche suonato alcune parti di basso. Rispetto al precedente, questo sophomore è decisamente meglio confezionato, curato nei dettagli e arrangiato e suonato decisamente meglio. Ne guadagnano il quadro d’insieme e l’appeal di una musicista che ha evidentemente fatto passi da gigante sotto il profilo della tecnica, ne perdono, invece, l’immediatezza e la veracità, che erano le frecce più acuminate dell’arco della giovane croata.

Il disco, però, pur nella sua prevedibilità, è molto buono, più virato al rock che al blues, come testimonia l’uno due iniziale (Rock’n’Rolla Train e Hard Times), graffiante campionario di riff stonesiani.

La Sky ha oggi acquisito una sicurezza che agli esordi mancava e gestisce alla perfezione il tiro diretto e scorbutico di rock blues grezzi e rumorosi (Voodoo Mama), ballate acustiche che distillano roots americano e melodia (Call Me If You Need e What’s Going On), tirate adrenaliniche al limite dell’hard rock zeppeliniano (Oh Well) e la consueta cover dal repertorio di Rory Gallagher, vero padre putativo per la Sky, qui omaggiato con un gran bella versione dell’incandescente Shadow Play.  

Woman Named Trouble è forse un disco meno arrembante e più di maniera del suo predecessore, ma resta comunque un bell’esempio di come sia possibile maneggiare con intelligenza una materia risaputa. Vanja Sky, poi, è quasi una neofita, a cui perdoniamo volentieri tutti i difetti della giovane età artistica. Il talento c’è, però, e questa è la cosa più importante.

VOTO: 7

Blackswan, martedì 09/06/2020