Conosciuto come frontman della band vincitrice di Mercury Prize Klaxons e dopo aver registrato con gli Arctic Monkeys e creato il progetto Shock Machine, James Righton annuncia la pubblicazione del suo primo album solista The Performer, prevista per il 20 marzo 2020 sull’etichetta dei Soulwax DEEWEE. Svela inoltre il video della title track, che è anche il primo singolo estratto dall’album.
“Sono l’uomo che si esibisce sul palco o sono il papà che cambia i pannolini?”, racconta James sul conflitto che si nasconde tra le note della title track. “Mi
sto godendo il momento e sto facendo qualcosa di bello o sono
terribilmente triste? Trovo molto interessante l’idea di mettersi
addosso un abito e diventare una persona diversa”.
L’album The Performer
entra in netto contrasto con l’edonismo elettronico dei precedenti
lavori di James con i Klaxons. Ripercorre diverse tappe della musica a
partire dal 1970. Sfiora l’art-lounge dei Roxy Music, il groove
tintinnante dei R.E.M., la sontuosa psichedelia degli ultimi Beach Boys e
le abilità di scrittura di Nick Lowe. Più semplicemente, parte da
alcuni elementi classici per dar vita a brani assolutamente attuali.
Queste
influenze permeano la title track dell’album, che ne è anche il primo
singolo. Da un lato, il dramma esistenziale nel dover conciliare la sua
carriera da artista con la semplicità della vita in famiglia.
Dall’altro, una via di fuga: diverse identità riescono a coesistere
senza mai predominare l’una sull’altra.
L’album The Performer è stato scritto e prodotto da James Righton con l’aiuto di alcuni collaboratori. Troviamo James Ford (The Last Shadow Puppets, Simian Mobile Disco) al basso su due brani e alla batteria per tutti gli altri, Sean O’Hagan (High Llamas, Microdisney) che ha contribuito agli arrangiamenti, Jorja Chalmers (Bryan Ferry) al sassofono e ancora Josephine Stephenson (Thom Yorke, Ex:Re) che ha collaborato ad altri arrangiamenti.
È stato registrato in diversi studi, tra cui quello in casa di James e lo Studio One di Bryan Ferry. È stato poi mixato da David e Stephen Dewaele (aka Soulwax, aka 2manydjs) presso la DEEWEE a Ghent, Belgio.
A
voler misurare il percorso artistico dei Whiskey Myers, si potrebbe
dire che questo nuovo, omonimo disco, sia il vertice della produzione
della band texana. E non è assolutamente un caso che sia anche il primo
album interamente autoprodotto, a riprova dell’ulteriore consapevolezza
acquisita, di un rinnovato desiderio di libertà e della capacità di
assumersi anche dei rischi pur di assecondare idee e intuizioni.
Non che i dischi precedenti non fossero validi, per carità: in Early Morning Shakes (2014) e Mud (2016) c’era pure la manina santa di Dave Coob, produttore pluripremiato e da sempre sinonimo di qualità. In questo Whyskey Myers,
però, si respira un’aria diversa, un entusiasmo che trasuda da ogni
solco del disco, un desiderio palpabile di divertirsi e di divertire. La
formula, ovviamente, è quella consueta di far convivere hard rock e
country, avvolgendoli in uno sgargiante mantello di chitarre southern, e
i riferimenti artistici sono quelli di sempre, Lynyrd Kynyrd e Black
Crowes in primis.
Poi,
ci sono anche le canzoni, quattordici per la precisione, a parere di
chi scrive, mai così centrate e brillanti. Si parte subito pigiando il
piede sull’acceleratore, con il riffone di Die Rockin’, brano
scritto in condominio con Ray Wylie Hubbard e bagnato nell’acquasantiera
del gospel, una sorta di graffiante omaggio alla vita da rocker e alle
leggende del rock a stelle e strisce. Non è da meno la successiva Mona Lisa, boogie travolgente affilato a colpi di slide e dal suono geneticamente derivativo (qualcuno ha detto Black Crowes?).
Due
brani che aprono il disco con un piglio notevolissimo, ma che
rappresentano solo una parte delle specialità di casa Whiskey Myers.
L’altra, quella più morbida, affonda le radici nel country e ha sonorità
decisamente più roots. Ecco, allora, lap steel, armonica e chitarra
acustica che levigano il mood country della splendida Rolling Stone, mood che ritorna anche nella malinconica California To Caroline o nella splendida Bury My Bones, ballata dal sapore nostalgico che suona epica, come una sorta di Simple Man (Lynyrd Skynyrd) 2.0.
A prescindere dalle canzoni citate, tutte bellissime, il disco fila che è un piacere, tra brani robusti e grintosi (Gitter Ain’t Gold, Bitch, Kentucky Gold) e ballate spezza cuore, come la conclusiva Bad Weather, lap steel in bella evidenza e finale infuocato dal tiro delle chitarre elettriche.
Whiskey Myers
è un disco che non deluderà i fan del gruppo e gli appassionati di
southern: canzoni dirette, efficaci, che vanno dritte al punto senza
guardarsi troppo intorno, grazie a un’urgenza espressiva che rende la
scaletta agile e palpitante. E poco importa se qualche brano è un po'
telefonato e i riferimenti artistici evidenti e svelati. L’esuberanza
della band e un songwriting sincero e appassionato mettono tutto il
resto in secondo piano.
La
vera notizia non è tanto l’uscita di un nuovo disco a firma Joe
Bonamassa, quanto invece il fatto che si tratta della prima
pubblicazione a suo nome del 2019. D’altra parte, il chitarrista
newyorkese, da tempo ci ha abituati a ritmi vertiginosi, facendo
succedere le uscite discografiche con la stessa regolarità delle
stagioni climatiche. Da solo o in compagnia (Black Country Communion),
gli album pubblicati ogni anno sono infatti almeno tre.
Questo
Live At The Sydney Opera House è poi l’ennesima riproduzione di un
concerto (risalente però al 2016), tanto che non sarebbe solo
un’iperbole affermare che Bonamassa abbia più live nella propria
discografia che capelli in testa. La domanda che sorge spontanea è
quindi quella che spesso ci poniamo: vale la pena acquistare un nuovo
disco dal vivo del pur valente chitarrista americano? Se siete fan, come
è probabile che siate, se state leggendo queste righe, la risposta è
ovviamente si. Anche perché, a prescindere dalle differenze fra una
scaletta e l’altra dei numerosi concerti pubblicati (qui la parte del
leone la fanno ben sette brani estratti da Blues Of Desperation),
Bonamassa è comunque sinonimo di qualità.
Merito
anche di una band rodatissima, di cui fanno parte Reese Wynans alle
tastiere, Michael Rhodes al basso, Anton Fig alla batteria, Mahalia
Barnes, Juanita Tippins e Gary Pinto ai cori, Paulie Cerra e Lee
Thornburg ai fiati. Band super affiatata, dicevamo, che il chitarrista
frequenta dal tempo e che asseconda il buon Joe in una scaletta, breve
di titoli (le canzoni sono nove in tutto: oltre alle sette citate, anche
Love Ain’t a Love Song da Different Shade Of Blue e la cover di Florida
Mainline tratta da 461 Ocean Boulevard di Eric Clapton) ma assai lunga
nell’esecuzione dei singoli brani, quasi tutti oltre i sette minuti.
Spazio,
quindi, al lato più jammistico del combo, che vede ovviamente il
chitarrista sugli scudi con assoli lunghissimi, come sempre molto
tecnici e ricchi di fantasia (ascoltate che numeri nell’iniziale This
Train, che cita anche Locomotive Breath dei Jethro Tull, o nella lenta
How Deep This Rivers Runs).
Nonostante
chi scrive sia un fan della prima ora e i dischi di Bonamassa li abbia
proprio tutti, compreso questo, bisogna però essere onesti: Live At The
Sydney Opera House non è un disco imperdibile. Tuttavia, se siete fan di
Joe o vi piace il rock blues e la chitarra che vola libera e senza
freni, controindicazioni non ve ne sono. E’ solo un rito che si ripete
nel tempo, senza soluzione di continuità. Finché non annoia, va
benissimo così.
Greg Dulli annuncia oggi il suo primo album solista Random Desire in uscita il 21 febbraio su Royal Cream/BMG.
Il brano in apertura all'album, “Pantomima” è un primo assaggio di ciò che ci si può aspettare da Random Desire. Dulli annuncia anche il tour europeo previsto per la primavera 2020.
Greg Dulli iniziò a lavorare al nuovo album subito dopo aver pubblicato l’ultimo disco con i Whigs, In Spades del 2017, nominato da Pitchfork tra i migliori album rock dell’anno e descritto come “un lavoro duro e minaccioso di indie rock maestoso…elettrizzante e inquietante.”
Il batterista Patrick Keeler stava per prendere un periodo sabbatico
per registrare e partire in tour con i The Raconteurs. Il collaboratore
di lunga data di Dulli, il bassista John Curley tornò a scuola e poi ci
fu la tragica morte del chitarrista Dave Rosser.
In risposta Dulli tornò alle sue radici, trovando ispirazione nei visionari Prince e Todd Rundgren.
Il musicista di Hamilton, OH ma di base a Los Angeles, scrisse quasi
tutte le parti dell’album, dalle linee di piano ai riff di basso e
batteria. Come sempre la musica venne prima mentre i testi vennero
aggiunti più tardi. L’album è stato scritto e registrato tra la sua casa
di Silver Lake, il villaggio di Crestline sulle montagne sopra a San
Bernardino, e New Orleans. Ma la maggior parte del disco è stata
completata nella bellezza arida e nell'isolamento di Joshua Tree (nello
studio di Christopher Thorne). Dulli suonò quasi tutti gli strumenti ma
nella tracklist del disco sono numerosi gli ospiti che hanno
collaborato: il chitarrista dei Whigs Jon Skibic, il polistrumentista
Rick G. Nelson, Mathias Schneeberger (Twilight Singers), il mago della pedal steel, bassista e medico Dr. Stephen Patt, e il batterista Jon Theodore (Queens of the Stone Age, The Mars Volta).
Con i suoi 37 minuti, Random Desire
è una sorta di clinica fondata da un veterano che opera all'apice del
suo potere e offre la prova della sua saggezza stanca e combattuta, che
ha conquistato con le vittorie e le sconfitte. Un documento lucido e
sicuro di sé sull'esperienza, sui pericoli della vita e sulle nuove
possibilità che si presentano davanti a noi. Un’altra morte e rinascita
di un fuorilegge che ha visto tutto e in qualche modo è sopravvissuto
per raccontarlo.
Solitamente, dicembre è un mese in cui si cominciano a tirare le fila, a fare il
bilancio della stagione trascorsa, a imbastire le classifiche dei dischi
più belli. Tuttavia, vista la qualità delle uscite di quest’ultimo
scorcio d’anno (mi vengono in mente Allison Moorer, Kate Davis, Leonard
Cohen, come esempi) i giochi sembrano tutt’altro che fatti e si
preannuncia un fine 2019 davvero interessante.
A
dimostrazione di quanto affermato, ecco, quasi sul filo del traguardo,
uno dei dischi che occuperà posizioni molto alte nelle classifiche di
chi avrà la fortuna di ascoltarlo. Shame Engine/Blood Pressure è
il settimo album in studio degli Health & Beauty, nome che sembra
rubato a un centro benessere, sotto il quale invece si cela un ensemble
chicagoana capitanata dall’eclettico Brian J Sulpizio, songwriter nativo
dell’Ohio e unico membro fisso del progetto. Intorno alla sua figura,
infatti, da sempre ruotano svariati musicisti, di diverse estrazioni,
che danno linfa alla visione idiosincratica di Sulpizio nei confronti di
generi preconfezionati. Una visone fieramente libera, il coraggio
dell’incoerenza, la volontà di contaminare e di miscelare suoni
apparentemente distanti, fanno degli Health & Beauty un gruppo
anomalo, legato al suono americano, ma capace di rielaborarlo,
arricchirlo, in alcuni casi persino stravolgerlo.
Questo nuovo Shame Engine / Blood Pressure
è dunque l’ennesimo capitolo visionario dell’ispirazione onnivora di
Sulpizio, uno che riesce a far convivere all’interno dello stesso album
country folk, rock per chitarra, esplosioni noise, derive jammistiche
ereditate dal free jazz e pop. Un disco dalla struttura spigolosa,
dall’andamento tortuoso (brani di tre minuti si alternano a canzoni
chilometriche), e concettualmente complesso, ostico ai più, ma ricco di
fascino ed estremamente eccitante per tutti coloro che amano osare e
mettere il naso fuori dalla loro comfort zone.
Sono
solo dieci le canzoni in scaletta, ma a parte la lunga durata del disco
(più di un’ora), la complessità è data dai frequenti cambi di registro,
dal continuo alternarsi fra momenti morbidi ad altri decisamente
rumorosi, pur in un contesto che, da un punto di vista sonoro, rimane
immediatamente riconoscibile.
Shame Engine / Blood Pressure si apre con i quasi undici minuti di Saturday Night,
canzone che non ammette mezze misure: o vi innamorerete immediatamente e
perdutamente, o sarà anche il vostro ultimo saluto a Sulpizio e alla
sua musica fuori dagli schemi. Un giro di basso ipnotico, ripetuto
all’infinito a cui si incolla un giro di chitarra elettrica che vi
introdurrà in cupe atmosfere notturne del Nick Cave più crepuscolare: è
solo l’abbrivio per spingervi in un blues inquietante, ossianico, reso
ancora più malevolo dalla voce cantilenante di Sulpizio e da una
stratificazione di chitarre che trasfigurano Hendrix in un trip
psichedelico a lenta combustione.
La successiva Yr Wives
farà immediatamente crollare tutte le certezze che l’ascoltatore si è
costruito nei dieci minuti precedenti: giro di basso tonante e riff di
chitarra elettrica che aprono a un ritornello di una dolcezza inusitata,
dai sentori quasi brasiliani, per poi perdersi in un finale puntuto e
dissonante. Le atmosfere ipnagogiche di Rat Shack tratteggiano
una melodia inafferrabile, accarezzata da una voce femminile che fa da
contraltare a quella di Sulpizio e da un vellutato suono di tromba. Ci
sono moduli jazz in questa canzone (provate a coglierli sottotraccia) e
tutto il genio visionario di un artista che plasma la materia rock con
un’originalità sorprendente.
Resterete
a bocca aperta, poi, quando parte la successiva Clown, dieci minuti di
ballata elettrica che tesse trame disilluse e malinconiche, riportando
in vita il fantasma del mai dimenticato Jason Molina.
C’è
un contrasto stridente fra l’approccio jammistico e l’impatto live con
cui gli Health & Beauty affrontano le canzoni in scaletta e la
complessità di idee che prendono forma, ascolto dopo ascolto. Picchi di
songwriting tanto geniale da indurre la più spontanea delle standing
ovation, come avviene nella superba Bottom Leaves, in cui
esplosioni noise mutuate dal free jazz intervallano una melodia
nostalgica e dolcissima che sembra presa a prestito dal songbook del
nostro Luigi Tenco. Un brano talmente ricco, spiazzante e inusuale da
lasciare senza fiato. E non è finita.
Judy è una ballata che fonde mirabilmente Neil Young a dissonanze jazz, Escaping Error evoca fragranze folk con leggerezza estatica, Recourse
è un country rock che cita nuovamente Neil Young (uno dei pallini di
Sulplizio), architettando una melodia sghemba e colorandola con tonalità
di verde irlandese, mentre la conclusiva Love Can Be Kind,
chiude con dieci minuti di ballata elettrica, la chitarra e la voce di
Sulpizio a lambire le stelle del cielo, e un’atmosfera da locale jazz
all’ora del bicchiere della staffa a scaldare il cuore.
La chiosa perfetta di un disco non facile, poco accessibile, forse, ma di una bellezza stordente. Perderlo sarebbe un delitto.
